10.- Dibujo Artístico 7°

portada1“ El Arte, alimento del alma y fortaleza del espíritu.”

EDUCACIÓN ARTÍSTICA

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Introducción:
Educar, es favorecer el desarrollo de los valores personales. El educador no debe influir para nada en el niño, sino respetar los valores personales de éste. Cuando pinta un niño es capaz de dar forma concreta a sus emociones, de entrar en contacto con el mundo, este puede ser un medio educativo si se le pone en condiciones determinadas. El padre y el maestro tienen que respetar las creaciones del niño; una incomprensión, un desprecio, pueden ser fatales y ocasionar graves perturbaciones en el tierno infante.
147Educar no es influir, pero tampoco es dejar de hacer, es obrar. Al niño, la creación artística se le presenta como el fin de su contacto con el adulto; pero para éste ha de ser ante todo un medio, un medio educativo.
Consecuencia de la necesidad natural de expresión es la práctica del arte. La expresión libre y espontánea de sus primeros días evolucionará en el niño hacia una forma voluntaria y reflexiva.
La práctica del arte permite al niño adquirir confianza de sus posibilidades acerca de este medio de expresión; y como medio de expresión personal (en el niño) requiere de máximo respeto por parte del educador. La educación artística.

  En la “Clase de dibujo”, el maestro procuraba atiborrar al niño con una serie de “nociones técnicas…”; mientras que en la “Educación artística” se procura que el niño se manifieste espontáneamente. No es pues una enseñanza dada por el adulto al niño, pero si el despertar de facultades que están en este último en estado latente (por este medio se satisface en él la necesidad de dar expansión a uno de sus dos medios de expresión, el dibujo).

Hay que educar al niño por el arte, pero no equivocarse: EL ARTE NO DEBE ENTRAR EN EL NIÑO, DEBE SALIR DE ÉL.
No es por la contemplación de las obras maestras del arte que debemos realizar “la educación artística”, sino por las “creaciones libres” del niño en condiciones propicias.
La eficacia de un método no estriba en el número de conocimientos que imparte, sino en los resultados que de él derivan.
236La enseñanza prematura de la técnica, la copia de modelos expone a la niñez a perder este medio de expresión tan útil a ella. Es en el dibujo y por el dibujo que aparecen en el niño los primeros impulsos creadores. Este espíritu creador es el que libera al niño de los complejos de inferioridad tan perjudiciales a la infancia.

  La creación artística del niño no sólo puede servir como medio de expresión, sino también: 
 a) El dibujo y la pintura pueden servir como medios de investigación.
 
b) Tiene un valor funcional, reemplaza transitoriamente al lenguaje hablado…
 
c) La creación artística puede ser un medio de curación en sí…

 El mundo plástico del niño

 …el “mundo plástico” del niño es distinto al del adulto. A cada ciclo corresponde, en el niño, un “mundo plástico” diferente. El “mundo plástico” de cada niño es propio y peculiar de él, es constitutivo de su personalidad.

El educador debe saber leer en un “cuadro”; debe conocer sus diversos elementos y no equivocarse, no debe confundir una flor con un árbol, una casa con un barco. Debe conocer los diversos elementos, más no debe interpretar el cuadro. En esto se distingue del psicoanalista y del grafólogo. El oficio del educador y el de éstos son en cierto modo, complementarios. Gracias al educador “nace el cuadro” pero si éste es un “mundo explorable”, no es él, el explorador.

 Algunos maestros creen, reaccionando contra los métodos antiguos que basta proporcionar material al niño y decirle: “Haz lo que quieras”. El 325niño crea muy difícilmente solo; tiene necesidad del ambiente del grupo o del taller y sobre todo de la presencia de un maestro que lo ame, lo comprenda y lo anime. Por preguntas más que por consejos, animando y no criticando, respetando y no imponiéndose, el maestro desempeña ante sus alumnos el papel de confidente, guía y consejero técnico.

El educador es quien hace “nacer el cuadro” y no obstante no debe influir o sugestionar al niño. Su presencia es indispensable, pero debe ser lo que el niño espera de ella.

 El “mundo infantil” se nos manifestará, cada vez más, a medida que practiquemos la educación artística. Reconoceremos pronto el estilo peculiar de cada niño, e igualmente sabremos apreciar toda ingerencia extraña, como modelos, sugerencias, influjo del adulto… en las auténticas creaciones infantiles.

417El niño acostumbrado a la copia pierde poco a poco su espíritu creador.

El niño se deja influenciar por el ambiente, por los demás compañeros…; pero que un niño influya sobre otro la cosa no perjudica, más que el educador lo haga, sí.

El educador no debe influir más que indirectamente en las creaciones infantiles. Ejemplo: el niño dibuja una casa sin puerta. Después de varios contactos entre educador y educando y cuando éste ha cobrado ya plena confianza en aquel; el educador puede preguntarle: “¿Cómo se entra a tu casa?”, y deja al niño resolver su problema. Si el niño agrega la puerta, No es un detalle más que añade a su dibujo, sino un conocimiento más que adquiere, el conocimiento del “espacio vacío”. Si el niño no dibuja la puerta, es que este proceso no se llevó a cabo. Claro que nada ganaríamos con que el niño dibujara la puerta como un elemento más en su dibujo sin ese proceso mental.

7-1Es de toda evidencia que si el niño, en sus primeros dibujos, “saca” de sí mismo lo que representa, lo que “saca” debe antes haberle “entrado”. El niño que pinta se hace observador para poder pintar y así resolver “los problemas” que la pintura le plantea.

La función del educador es fundamental, pues a él corresponde el despertar de la imaginación del niño mediante sus preguntas, el librarlo de sus prejuicios y de su timidez, de protegerlo contra los otros y el enseñarle a superarse por sí mismo.
En la “educación artística” no debe haber notas, premios, clasificaciones, puntos y sobre todo concursos; pues la evoluciónde cada niño es distinta y libre, y con ello presionaríamos a los no favorecidos a “copiar” de los agraciados.

DIBUJO

 Es un arte visual en el que se utilizan varios medios para representar algo en un medio bidimensional o tridimensional . Los materiales más comunes son los lápices de grafito, la pluma estilográfica, crayones, carbón, etc.
614Más que una
técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando un lapicero óptico (También conocido como Tabla o Tableta digitalizadora.) o un ratón de ordenador.

Nos valemos del dibujo para representar lo que tenemos en la mente y que no podemos expresar detalladamente con palabras.

Podría afirmarse que el dibujo es el lenguaje universal porque sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entiendan de modo gráfico. Hay dibujos que son reconocidos casi universalmente a los que se llama íconos. Ejemplos de éstos son las señalizaciones que prohíben fumar, los signos que diferencían los géneros y muchas señales de peligro o advertencias en las que se utiliza el lenguaje gráfico como un modo más directo y eficiente de entregar el mensaje.

El dibujo es el lenguaje del que proyecta, con él se hace entender universalmente, ya con representaciones puramente geométricas destinadas 714a personas competentes, ya con perspectivas para los profanos. También se puede decir en otras palabras que es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto para construcción posterior.

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.[1] El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
El dibujo es una forma de expresión visual a través de imágenes, es una de las mayores formas de las artes visuales.

 811Dibujar y pintar no es lo mismo. Las técnicas de “pintar” y “dibujar” pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, “pintar” incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos. Es justo señalar que los pintores modernos también incorporan el dibujo en su trabajo.

El proceso de dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de práctica proporciona al artista un estilo propio y personal.
No obstante, se tiene que conocer unas leyes o principios básicos aptos para poder empezar a caminar. Sin estas nociones empezaremos con un camino muy pedregoso.

Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

En palabras de Freinet, “diría exactamente que el niño dibuja para aprender a dibujar, es decir, a copiar exactamente un modelo o realizar un croquis acotado, y que el dibujo profundiza la observación y cultiva el sentido del gusto”.

Materiales de dibujo:

Materiales de dibujo son todos los objetos que se emplean para realizar un dibujo, como el papel (que es el soporte), y el lápiz (que es el instrumento).
914Entre los instrumentos de dibujo, el más común es el lápiz, y hay una gran variedad, dependiendo de la dureza de su grafo (blandos y duros) y de la presentación que puede ser un lápiz común, o un lápiz mecánico. La dureza del grafo está indicada por un número y una letra. La letra nos indica si es duro (H), o blando (B), y el número nos da el grado de dureza que tienen respectivamente, y comienza en “2”, pues el uno se indica con la letra sola, por ejemplo: el lápiz más duro es el 2H, uno intermedio es el HB, que no es ni blando ni duro, el más blando es el 7B, los pinceles que deben ser de todos los tamaños por comodidad.

Otros instrumentos son la pluma , el carboncillo,, el pastel (puede ser de tiza o al óleo), el crayón (es un color graso),1015 la acuarela, los vinilos y el óleo . También están las gomas de borrar, que vienen en diversas formas y para distintos usos, lápiz, tinta, tinta china. Los afilalápices son muy importantes, pues de su calidad depende el buen filo del lápiz, y de este la calidad del dibujo.

 Los soportes: el más común es el papel, y puede ser de muchas clases. Los papeles se clasifican por su peso, 1115grano, material. El peso determina el grosor del papel, un papel liviano sirve para dibujo a lápiz, pero si es muy fino, no sirve para pintar, para acuarelar es necesario un papel grueso. El grano determina el tipo de superficie del papel, los de grano fino son lisos y brillantes, los de grano grueso son ásperos, ideales para el dibujo a mano alzada y el lápiz. El material puede ser celulosa pura, o con diferentes mezclas de otros materiales, como la tela, empleado para acuarelar. También puede usarse el cartón como soporte, u otros materiales en los que se pueda emplear el instrumento que elegimos para dibujar. El cartón (paja), el lienzo y el bastidor ( en cartón o madera).

 DIBUJO SEGÚN SU APLICACIÓN

 De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se clasifica en:

Dibujo Artístico

 

 

El “Dibujo Artistico” se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El 1212artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. Pero no solo podemos referirnos a la representacion de formas ya antes vistas sino creando nuevas imagen con significado y mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.[1] El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y,1312 en un sentido más amplio, su cultura.

Los dibujos artísticos suelen de ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas al punto de resemblanzas de tipos de vida. Un ejemplo son los retratos, la naturaleza o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como la caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los comics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto. Los bocetos son dibujos preparatorios para pintar, que son coloreados a lo largo del trabajo.

Dibujo Técnico Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una 148expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en “Dibujo Técnico Especializado”, según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.

 Dibujo a mano alzada.

El dibujo es un arte visual en la que intenta representar algo en un medio bidimensional. Para hacer esta representación se utilizan varios medios y materiales como pueden ser los lápices, plumas estilográficas, crayones, carbón y en superficies como por ejemplo el papel.
En el caso del dibujo a mano alzada, este es aquel que se realiza simplemente utilizando nuestras manos y algún material para dibujar, sin utilizar ningún tipo de instrumentos adicionales como pueden ser reglas, escuadras, etc.
El dibujo  mano alzada esta enfocado hacia la parte más esencial e inmediata del dibujo, el que se realiza simplemente con la mano, con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica y carboncillos.
Existen muchos materiales para poder realizar un dibujo a mano alzada. Podemos pasar desde pinceles, pinturas, lápices, grafitos, lápices depasteles1 colores, goma de borrar, etc.
Lo que debemos tener en cuenta es que no se utilizan otros instrumentos mas que nuestra mano. Sin reglas, escuadras ni compases.
El dibujo a mano alzada se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones, igualmente que el dibujo artístico. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve. El dibujo a mao alzada es todo lo contrario del dibujo técnico.
Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.
El  dibujo a mano alzada es muy utilizado. Es la parte más esencial e inmediata del dibujo, normalmente realizados con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica, carboncillos, etc.
El dibujo a mano alzada se utiliza para realizar el croquis, el boceto y el apunte.

LOS COLORES

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano receptor.

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Es un fenómeno físicoquímico asociado a las infinitas combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas como colores según las longitudes de ondas correspondientes (véase: tabla de longitud de onda). El ojo humano sólo percibe el color cuando la iluminación es abundante. Con poca luz vemos en blanco y negro.
El color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.
El ojo humano distingue unos 10.000 colores.

El círculo cromático.

El círculo cromático permite identificar las distintas familias de colores y la relación que existe entre ellas.

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Colores  primarios.
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Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. Si se mezclan los tres a partes iguales, se obtiene el negro.

Los colores secundarios
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Para crear los colores secundarios se mezclan dos primarios a partes iguales. Así obtenemos el violeta (rojo y azul), el verde (azul y amarillo) y el anaranjado (rojo y amarillo).

Los colores terciarios
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Para crear los colores terciarios se mezclan dos primarios en cantidades desiguales. Por ejemplo, para obtener un violeta rojizo, mezcle una parte de azul con dos partes de rojo.

Colores  cuaternarios.
Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario + amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario + azul terciario da un verde muy neutro (verde oliva) y rojo y azul terciario da un violeta neutro parecido al de la ciruela.

Colores fríos y cálidos.
Se denominan colores fríos a todos los que participan o en su composición interviene el azul y cálidos, a todos aquellos que “participan” del rojo o del amarillo.
Los colores  cálidos  (rojo, amarillo y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego… de ahí su calificación de “calientes”.
Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, el hielo, la luz de la luna, el azul y los que con el participan.
Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado “Temperatura del color”.

Los colores complementarios son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático.

Círculo cromático
Colores cálidos y fríos
Colores complementarios 
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 Los colores pastel

Los colores pastel son aquellos que contienen gran cantidad de blanco. Como son muy claros, es raro que creen contrastes discordantes con otros colores. Generan ambientes cómodos y espaciosos en cualquier habitación.
La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados.
Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.

Los colores neutros

Los colores neutros son los distintos tonos de blanco, gris y negro.
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Que no poseen tono o matiz o, en otras palabras, que absorbe o refleja todas las longitudes de onda en la misma proporción. El término se refiere también a aquel material impreso que solamente contenga blanco, negro o la gama de gr ises. Los colores acromáticos son conocidos también como colores o grises neutros.

Términos básicos

  • El tinte de un color es el color básico. Por ejemplo, tanto en el azul claro como en el azul oscuro, el tinte es el azul.
  • El matiz describe la densidad y el índice de reflexión del color. El matiz es muy importante a la hora de elegir una combinación de colores.
  • El valor (luminosidad) de un color es la cantidad de blanco o negro que contiene. El valor puede ir de claro a oscuro en una escala de grises.
  • La saturación de un color está relacionada con su pureza y su intensidad.

PAISAJISMO 

237El Arte de paisajes representa pictóricamente escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye en la vista el cielo, y el tiempo usualmente es un elemento de la composición. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma la superficie de la tierra, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños.

En la pintura occidental, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, como fondo de cuadros de otro género (como la pintura de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la Holanda del siglo XVII.

Por la manera en que está tratado el tema del paisaje, cabe distinguir tres tipos fundamentales:

  1. El paisaje «cósmico» o «sublime», en el que se presenta la naturaleza de manera salvaje, inmensos paisajes que no necesariamente representan lugares realmente existentes, y en loa que el hombre se siente perdido. Dentro de esta línea estaría el «paisaje naturalista» que refleja una naturaleza grandiosa, abundante y salvaje, en la que aparecen fenómenos atmosféricos como tormentas.
  2. La naturaleza «dominada» por el hombre, como ocurre con el paisaje flamenco o neerlandés. La presencia del hombre hace que la naturaleza no parezca amenazadora. Muchas veces acaba siendo un «paisaje topográfico», que representa necesariamente un lugar preciso e identificable, con una naturaleza presentada de la manera más humilde.
  3. La naturaleza «colonizada» por el hombre, lo cual es típico del paisaje italiano. Aparecen campos cultivados de relieve, colinas, valles y llanuras con casas, canales, carreteras y otras construcciones humanas; la naturaleza ya no es una amenaza, sino que el hombre, además, la ha hecho suya. Dentro de este tipo de paisaje puede hablarse del «paisaje clásico», donde se representa una naturaleza ideal, grandiosa. La representación no es creíble, sino recompuesta para sublimar la naturaleza y presentarla perfecta.

Desde otro punto de vista, referido al tema que se representa y no tanto a la manera en que se trata, cabe diferenciar entre:244

  • Marinas en composiciones que muestran océanos, mares o playas.
  • Paisajes fluviales composiciones con ríos o riachuelos.
  • Paisajes estelares o paisajes nublados son representaciones de nubes, formaciones del clima y condiciones atmosféricas.
  • Paisajes lunares muestran paisajes de la visión de la luna en la tierra.
  • Paisajes urbanos muestra ciudades.
  • Hardscape o paisajes duros, en el que lo que se representa son zonas como calles pavimentadas y grandes complejos de negocios o industrias.
  • Paisaje aéreo o etéreo, mostrando la superficie terrestre vista desde arriba, especialmente desde aeroplanos o naves espaciales. Cuando el punto de vista es muy pronunciado hacia abajo, no se aprecia el cielo. Este género puede combinarse con otros, como en el arte etéreo nublado de Georgia O’Keeffe, el paisaje etéreo lunar de Nancy Graves o el paisaje etéreo urbano de Yvone Jacquette.
  • Paisaje onírico, en composiciones parecidas a los paisajes (generalmente surrealistas o abstractos) que buscan expresar la visión psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional.

 BODEGÓN

Curioso género este de los bodegones, también llamados a veces “naturalezas muertas”. En estos cuadros no sucede nada especial, no aparecen 264escenas mitológicas, religiosas, bélicas, o costumbristas, la verdad es que no hay escenas de ningún tipo. Tampoco nos es posible descubrir aquí paisajes o personajes retratados.

Las naturalezas muertas o bodegones, son un tema tratado por la práctica totalidad de los artistas.Suelen utilizarse como entrenamiento ideal, ya que nos permiten un control total sobre el modelo ,la composición ,la iluminación etc..

Casi todos los pintores comienzan sus carreras pintando naturaleza muerta, hasta que llegan a conseguir soltura con las técnicas: dibujo, modelado de las formas, dominio del color.Una vez dominadas estas técnicas, podemos aplicarlas a cualquier otro motivo

Esto no significa que los bodegones no sean apreciados como tema por sí mismos. De hecho, son el tema principal de la obra de muchos artistas.
La naturaleza muerta puede ser tan expresiva como un retrato o un paisaje, y comunicar emociones y sensaciones muy diversas.
El bodegón nos suele mostrar un interior, bien de una habitación o bien de una cocina y sobre el alféizar de una ventana o sobre una mesa se disponen una serie de elementos naturales inertes como por ejemplo frutas, verduras, carnes y pescados. También pueden aparecer utensilios de cocina como 275platos, jarras, cubiertos, cuencos, vasos, etc.

Durante mucho tiempo, el bodegón fue considerado un género menor, secundario frente a los grandes géneros pictóricos. Los artistas preferían dedicarse a los retratos y a las escenas religiosas, normalmente mejor pagadas y consideradas por la sociedad. No obstante, grandes pintores realizan bodegones (Zurbarán, Goya, Dalí) e incluso algunos llegan a especializarse en ellos (Luis Meléndez, Sanchez Cotán). Otros incorporan a sus lienzos trozos que son auténticos bodegones, es el caso de Velázquez.

Los alimentos y los objetos representados suelen resaltar sobre un fondo neutro (negro, pardo o gris) que no nos distrae de su contemplación. El tratamiento del tema es minucioso y veraz, el realismo es máximo. La observación tranquila de estos bodegones que exponemos seguro que te gusta. Observa el polvillo natural de las uvas, la piel de las manzanas, de las cerezas, la pelusa de los melocotones, el color de las fresas y de los espárragos, las superficies cerámicas, etc.

 El perfecto dibujo, el cuidado claroscuro y el rico colorido completan la sensación de realismo y cercanía de todo lo expuesto.

Los bodegones suelen colgarse en comedores, cocinas y restaurantes para ambientar a los comensales y resultan muy apropiados para estos lugares los encargantes eran siempre burgueses adinerados, que no pasaban hambre y deseaban ostentar su condición social de potentadO.

EL  ARTÍSTA  


Es el compositor de obras bellas o artisticas.Y más concretamente: el que ve siente, crea y realiza la belleza de una forma sensible.
284Ve la belleza
. Todos los hombres ven algo: la belleza, pero el artista la descubre en más objetos y en más detalles la penetra más intimamente, sorprende sus matices más recónditos.
Siente la belleza.
Se entusiasma con ella, con un amor profundo que penetra en su ser.
La crea.
El entusiasmo que siente es activo. Le lleva a combinar en su imaginación las formas bellas que ha contemplado y  dar ser a otras formas nuevas.
La realiza.
No se contenta con crear la belleza en su imaginación, sino que la reproduce en formas sensibles.
Facultades del Artista
Imagen Creadora Poderosa y fecunda, rica en invenciones. Es la facultad estética por exelencia.
La imaginación del artista no es únicamente receptora, que recibe las imágenes del exterior y las recuerda; es la imaginacíon productora, creadora.
 Esta imaginación presupone:

·         Sentido Particular para comprender la realidad y sus formas diversas.

·         Atención despierta a todo lo que impresiona la vista y el oido que graba las imágenes de las cosas.

·         Facultad de componer otras nuevas formas de belleza con las observadas en la naturaleza.

·         Memoria. Para que la imaginación realice esta obra creadora es necesaria la memoria; pues la imaginación no puede edificar sin elementos de composición y para ello necesita que la memoria tenga un deposito de materiales sacados de la observacion continua del mundo fisico y moral.

·         Talento de Ejecución. Habilidad técnica, destreza artística. Todos estos nombres recibe la aptitud para manejar el material artistico.

Si el hombre que concibe una obra artistica carece de medios para expresarla, se le quedará en el transcuero, como suele decirse. Germinará y morirá en la mente del que la concibió. La creación imaginativa, es una disposición natural; pero debe perfeccionarse y cultivarse. Un aprendizaje serio aumenta la natural. Los artistas noveles se resienten de esta facultad que está muy desarrollada en los que llevan largos años de pratica.

·         Inteligencia. El artista necesita el concurso de la inteligencia; aunque no sea ésta su facultad principal

Tiene que tener una idea clara de lo bello.
Debe reconocer el valor de las formas manifestativas de la belleza.
Lo que es substancial y accidental.
En toda obra artística ha de existir ha de existir una idea determinada, que de unidad; y buscar esta idea es obra de la inteligencia.
En la composicion misma es necesaria la reflexión; es decir, el trabajo de la inteligencia que compara una parte con otra, que escoge los medios más aptos para el fin, los aplica y los coordina.
Debe conocer tambien los elementos de la composición, sean de orden físico para las pinturas y descripciones que haga con ellos, sean de orden moral, para lo cual necesita conocer el corazón humano.
Puede concebir bellezas en que predomine el carácter intelectual. Encarnar en símbolos bellas ideas que presuponen actos intelectuales.
Por fin, la inteligencia del artista, en alas del sentimiento, aunque no sea por deducciones trabajosas, sino más bien por intuiciones súbitas, se eleva a veces a las regiones de lo espiritual e invencible.

·         Sensibilidad. Es una facultad importante para el artista.

La necesita:

*       Para sentir la belleza que ha de ser la fuente de sus inspiraciones.

*       Para reproducir los afectos humanos. Si quiere acertar con su verdadero acento es necesario que los haya sentido o sea capaz de sentirlos.

Facultades Morales. Las principales son:

Probidad, o como dicen otros, espíritu ético. Es decir conducta ejmplar, costumbres rectas.
Amor al bien, que será la fuente de la moralidad de sus obras.
Sin él tendrá cerrada la fuente de la belleza moral, que produce las más exquisitas bellezas artísticas.

·         Buen Gusto. La palabra gusto en su sentido propio expresa el sentir y discernir el sabor de llos manjares. Metaforicamente significa la facultad de sentir lo bello y discernirlo de lo no bello.

Este es el gusto que ha de tener el artista, y debe ser:

Ø       Recto y seguro, es decir conforme a principios ciertos e inconmovibles.

Ø       Universal, que estime lo bello en muchos objetos y en todos los órdenes distintos de belleza, sin limitarse a un campo determinado.

Ø       Delicado, que aprecie no solamente lo grande y saliente, sino tambien los más tenues matices y los más pequeños toques y perfiles.

Ø       Este gusto se consigue con una formación esmerada.

 ·         Inspiración. Las facultades del artista pueden estar dormidas o poco despiertas y pueden estar en plena actividad. Pues bien; la inspiración es el estado en que se encuentra el artista cuando todas sus facultades están en plena actividad.

Grados que pueden darse en las facultades del artista

293El Genio Artistico. Lo constituyen las facultades artisticas poseídas en un alto grado, puestas en conveniente equilibrio y enlazadas en un todo.

Sus notas distintivas son:

  Don Natural. Una dispocición nativa, una vocación.

  Poder de Intuición. Especie de adivinación de lo que otros no verían o alcanzarían después de mil tentativas.

Menéndez y Pelayo dice de Pereda: “Tuvo del genio muchos atributos: la vocación nativa e irresistible, la fuerza y la desigualdad, una mezcla de candidez y adivinación pasmosa.”
Schiller describe así el genio: “Es natural y sencillo necesariamente; el instinto es su guia, su sencillez triunfa de todas las complicaciones del arte. El genio imprime en sus obras un carácter infantil. Sus pensamientos más profundos parecen oráculos salidos de la boca de un niño. La expresion brota naturalmente de la idea; como por necesidad íntima la lengua y el pensamiento forman una sola cosa.”

  Fisionomia Individual que pase a sus produccuines, las cuales forman como una especie distinta de las demás obras de su clase. En una palabra: originalidad.
A la originalidad se opone la imitación, es decir la simple reproducción exterior de los caracteres de otro; pero no quita la originalidad, el que el artista haya sido educado por modelos anteriores y que conserve huellas de ellos.

=Talento. Hombre de talento es el artista que tiene habilidad en la composición; conocimiento, facilidad y uso discreto de los recursos artisticos; gusto delicado y correcto en toda la obra; pero sin la intuicion y la originalidad. Se limita a imitar las creaciones del genio, a introducir ligeras variantes, a desarrollar su actividad en obras de poca grandeza.
No quiere decir que el autor de talento esté desprovisto completamente de las facultades que en algo grado constituyen el genio, al contrario, puede observarse que en algún momento feliz, en un asunto adecuado a sus facultades, alcance la suprema belleza.

=Creación

La Creación Artística es la producción de una síntesis nueva, no vulgar ni intransendente, sino original y fecunda, a base de los elementos tomados de la realidad.
La creación artística es obra de la imaginación. Ella escoge entre las formas bellas que la realidad le presenta, las combina y las modifica para tomar un compuesto de otro.
La imaginación creadora, se ha dicho, no es una flor, sino la misma diosa Flora, que para producir nuevas combinaciones junta los cálices, cuya unión puede ser fecunda.
Esta imaginación creadora es una cualidad esencial del genio.

 

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