8.- Dibujo Artístico 6°

 180“El Arte, alimento del alma y fortaleza del espíritu.”

EDUCACIÓN  ARTÍSTICA.
Introducción.
Educar, es favorecer el desarrollo de los valores personales. El educador no debe influir para nada en el niño, sino respetar los valores personales de éste. Cuando pinta un niño es capaz de dar forma concreta a sus emociones, de entrar en contacto con el mundo, este puede ser un medio educativo si se le pone en condiciones determinadas. El padre y el maestro tienen que respetar las creaciones del niño; una incomprensión, un desprecio, pueden ser fatales y ocasionar graves perturbaciones en el tierno infante.

260Educar no es influir, pero tampoco es dejar de hacer, es obrar. Al niño, la creación artística se le presenta como el fin de su contacto con el adulto; pero para éste ha de ser ante todo un medio, un medio educativo.
Consecuencia de la necesidad natural de expresión es la práctica del arte. La expresión libre y espontánea de sus primeros días evolucionará en el niño hacia una forma voluntaria y reflexiva.
La práctica del arte permite al niño adquirir confianza de sus posibilidades acerca de este medio de expresión; y como medio de expresión personal (en el niño) requiere de máximo respeto por parte del educador. La educación artística.

  En la “Clase de dibujo”, el maestro procuraba atiborrar al niño con una serie de “nociones técnicas…”; mientras que en la “Educación artística” se procura que el niño se manifieste espontáneamente. No es pues una enseñanza dada por el adulto al niño, pero si el despertar de facultades que están en este último en estado latente (por este medio se satisface en él la necesidad de dar expansión a uno de sus dos medios de expresión, el dibujo).

Hay que educar al niño por el arte, pero no equivocarse: EL ARTE NO DEBE ENTRAR EN EL NIÑO, DEBE SALIR DE ÉL.  349es por la contemplación de las obras maestras del arte que debemos realizar “la educación artística”, sino por las “creaciones libres” del niño en condiciones propicias.
La eficacia de un método no estriba en el número de conocimientos que imparte, sino en los resultados que de él derivan.
La enseñanza prematura de la técnica, la copia de modelos expone a la niñez a perder este medio de expresión tan útil a ella. Es en el dibujo y por el dibujo que aparecen en el niño los primeros impulsos creadores. Este espíritu creador es el que libera al niño de los complejos de inferioridad tan perjudiciales a la infancia.

  La creación artística del niño no sólo puede servir como medio de expresión, sino también: 
 a) El dibujo y la pintura pueden servir como medios de investigación.
 b) Tiene un valor funcional, reemplaza transitoriamente al lenguaje hablado…
 
c) La creación artística puede ser un medio de curación en sí…

 El mundo plástico del niño

 …el “mundo plástico” del niño es distinto al del adulto. A cada ciclo corresponde, en el niño, un “mundo plástico” diferente. El “mundo plástico” de cada niño es propio y peculiar de él, es constitutivo de su personalidad.

El educador debe saber leer en un “cuadro”; debe conocer sus diversos elementos y no equivocarse, no debe confundir una flor con un árbol, una casa con un barco. Debe conocer los diversos elementos, más no debe interpretar el cuadro. En esto se distingue del psicoanalista y del grafólogo. El oficio del educador y el de éstos son en cierto modo, complementarios. Gracias al educador “nace el cuadro” pero si éste es un “mundo explorable”, no es él, el explorador.

 Algunos maestros creen, reaccionando contra los métodos antiguos que basta proporcionar material al niño y decirle: “Haz lo que quieras”. El 429niño crea muy difícilmente solo; tiene necesidad del ambiente del grupo o del taller y sobre todo de la presencia de un maestro que lo ame, lo comprenda y lo anime. Por preguntas más que por consejos, animando y no criticando, respetando y no imponiéndose, el maestro desempeña ante sus alumnos el papel de confidente, guía y consejero técnico.

El educador es quien hace “nacer el cuadro” y no obstante no debe influir o sugestionar al niño. Su presencia es indispensable, pero debe ser lo que el niño espera de ella.

 El “mundo infantil” se nos manifestará, cada vez más, a medida que practiquemos la educación artística. Reconoceremos pronto el estilo peculiar de cada niño, e igualmente sabremos apreciar toda ingerencia extraña, como modelos, sugerencias, influjo del adulto… en las 523auténticas creaciones infantiles.

El niño acostumbrado a la copia pierde poco a poco su espíritu creador.

El niño se deja influenciar por el ambiente, por los demás compañeros…; pero que un niño influya sobre otro la cosa no perjudica, más que el educador lo haga, sí.

El educador no debe influir más que indirectamente en las creaciones infantiles. Ejemplo: el niño dibuja una casa sin puerta. Después de varios contactos entre educador y educando y cuando éste ha cobrado ya plena confianza en aquel; el educador puede preguntarle: “¿Cómo se entra a tu casa?”, y deja al niño resolver su problema. Si el niño agrega la puerta, No es un detalle más que añade a su dibujo, sino un conocimiento más que adquiere, el conocimiento del “espacio vacío”. Si el niño no dibuja la puerta, es que este proceso no se llevó a cabo. Claro que nada ganaríamos con que el niño dibujara la puerta como un elemento más en su dibujo sin ese proceso mental.
620Es de toda evidencia que si el niño, en sus primeros dibujos, “saca” de sí mismo lo que representa, lo que “saca” debe antes haberle “entrado”. El niño que pinta se hace observador para poder pintar y así resolver “los problemas” que la pintura le plantea.
La función del educador es fundamental, pues a él corresponde el despertar de la imaginación del niño mediante sus preguntas, el librarlo de sus prejuicios y de su timidez, de protegerlo contra los otros y el enseñarle a superarse por sí mismo.
En la “educación artística” no debe haber notas, premios, clasificaciones, puntos y sobre todo concursos; pues la evoluciónde cada niño es distinta y libre, y con ello presionaríamos a los no favorecidos a “copiar” de los agraciados.                                                                              DIBUJO

 Es un arte visual en el que se utilizan varios medios para representar algo en un medio bidimensional o tridimensional . Los materiales más 721comunes son los lápices de grafito, la pluma estilográfica, crayones, carbón, etc.
Más que una
técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando un lapicero óptico (También conocido como Tabla o Tableta digitalizadora.) o un ratón de ordenador.

Nos valemos del dibujo para representar lo que tenemos en la mente y que no podemos expresar detalladamente con palabras.

Podría afirmarse que el dibujo es el lenguaje universal porque sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entiendan de modo gráfico. Hay dibujos que son reconocidos casi universalmente a los que se llama íconos. Ejemplos de éstos son las señalizaciones que prohíben fumar, los signos que diferencían los géneros y muchas señales de peligro o advertencias en las que se utiliza el lenguaje gráfico como un modo más directo y eficiente de entregar el mensaje.

El dibujo es el lenguaje del que proyecta, con él se hace entender universalmente, ya con representaciones puramente geométricas destinadas824 personas competentes, ya con perspectivas para los profanos. También se puede decir en otras palabras que es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto para construcción posterior.

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.[1] El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

El dibujo es una forma de expresión visual a través de imágenes, es una de las mayores formas de las artes visuales.

 920Dibujar y pintar no es lo mismo. Las técnicas de “pintar” y “dibujar” pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, “pintar” incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos. Es justo señalar que los pintores modernos también incorporan el dibujo en su trabajo.

El proceso de dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de práctica proporciona al artista un estilo propio y personal.
No obstante, se tiene que conocer unas leyes o principios básicos aptos para poder empezar a caminar. Sin estas nociones empezaremos con un camino muy pedregoso.

Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

En palabras de Freinet, “diría exactamente que el niño dibuja para aprender a dibujar, es decir, a copiar exactamente un modelo o realizar un croquis acotado, y que el dibujo profundiza la observación y cultiva el sentido del gusto”.

Materiales de dibujo:
1025Materiales de dibujo son todos los objetos que se emplean para realizar un dibujo, como el papel (que es el soporte), y el lápiz (que es el instrumento).
Entre los instrumentos de dibujo, el más común es el lápiz, y hay una gran variedad, dependiendo de la dureza de su grafo (blandos y duros) y de la presentación que puede ser un lápiz común, o un lápiz mecánico. La dureza del grafo está indicada por un número y una letra. La letra nos indica si es duro (H), o blando (B), y el núme1121ro nos da el grado de dureza que tienen respectivamente, y comienza en “2”, pues el uno se indica con la letra sola, por ejemplo: el lápiz más duro es el 2H, uno intermedio es el HB, que no es ni blando ni duro, el más blando es el 7B, los pinceles que deben ser de todos los tamaños por comodidad.
Otros instrumentos son la pluma , el carboncillo,, el pastel (puede ser de tiza o al óleo), el crayón (es un color graso), la acuarela, los vinilos y el óleo . También están las gomas de borrar, que vienen en diversas formas y para distintos usos, lápiz, tinta, tinta china. Los afilalápices son muy importantes, pues de su calidad depende el buen filo del lápiz, y de este la calidad del dibujo.

1218Los soportes: el más común es el papel, y puede ser de muchas clases. Los papeles se clasifican por su peso, grano, material. El peso determina el grosor del papel, un papel liviano sirve para dibujo a lápiz, pero si es muy fino, no sirve para pintar, para acuarelar es necesario un papel grueso. El grano determina el tipo de superficie del papel, los de grano fino son lisos y brillantes, los de grano grueso son ásperos, ideales para el dibujo a mano alzada y el lápiz. El material puede ser celulosa pura, o con diferentes mezclas de otros materiales, como la tela, empleado para acuarelar. También puede usarse el cartón como soporte, u otros materiales en los que se pueda emplear el instrumento que elegimos para dibujar. El cartón (paja), el lienzo y el bastidor ( en cartón o madera).

 DIBUJO SEGÚN SU APLICACIÓN
 De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se clasifica en:

Dibujo Artístico

 

 

1318El “Dibujo Artistico” se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. Pero no solo podemos referirnos a la representacion de formas ya antes vistas sino creando nuevas imagen con significado y mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.
Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y1416 oscuro, que toma nombre del material con que se hace.[1] El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, u cultura.

Los dibujos artísticos suelen de ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas al punto de resemblanzas de tipos de vida. Un ejemplo son los retratos, la naturaleza o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como la caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los comics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto. Los bocetos son dibujos preparatorios para pintar, que son coloreados a lo largo del trabajo.

 Dibujo Técnico
1516Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en “Dibujo Técnico Especializado”, según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.

 Dibujo a mano alzada.
El dibujo es un arte visual en la que intenta representar algo en un medio bidimensional. Para hacer esta representación se utilizan varios medios y materiales como pueden ser los lápices, plumas estilográficas, crayones, carbón y en superficies como por ejemplo el papel.
En el caso del dibujo a mano alzada, este es aquel que se realiza simplemente utilizando nuestras manos y algún material para dibujar, sin utilizar ningún tipo de instrumentos adicionales como pueden ser reglas, escuadras, etc.
El dibujo  mano alzada esta enfocado hacia la parte más esencial e inmediata del dibujo, el que se realiza simplemente con la mano, con1618 medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica y carboncillos.
Existen muchos materiales para poder realizar un dibujo a mano alzada. Podemos pasar desde pinceles, pinturas, lápices, grafitos, lápices de colores, goma de borrar, etc.
Lo que debemos tener en cuenta es que no se utilizan otros instrumentos mas que nuestra mano. Sin reglas, escuadras ni compases.
El dibujo a mano alzada se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones, igualmente que el dibujo artístico. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve. El dibujo a mao alzada es todo lo contrario del dibujo técnico.
Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.
El  dibujo a mano alzada es muy utilizado. Es la parte más esencial e inmediata del dibujo, normalmente realizados con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica, carboncillos, etc.
El dibujo a mano alzada se utiliza para realizar el croquis, el boceto y el apunte.

CONOCIMIENTOS DE PERSPECTIVA BÁSICA PARA ARTISTAS.
Podríamos definir perspectiva como la forma de representar objetos tridimensionales en una superficie plana, bidimensional, para recrear la profundidad y la posición. En toda obra pictórica hay que tener en cuenta la perspectiva, pero sin olvidar, la interpretación del color, la pincelada suelta, la espontaneidad, al primer golpe, con ese frescor de la primera interpretación …!que admite incluso defectos, errores de perspectiva¡” o cualquier otro, con tal de que la obra sea genuina etc.
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A continuación procederemos de igual forma que en el paso anterior y desde el punto de fuga de Diagonales, trazaremos una línea D3 que, atravesando 2, se una con el punto c. De igual forma seguiremos trazando diagonales hasta que tengamos completo el esquema.

Posiblemente tu, que en estos momentos estas leyendo estas líneas, seas una de esas personas que ante el reto de hacer un dibujo, por sencillo que sea, cuando te sitúas delante del espacio en blanco del papel, pienses … pero si es que ¡yo no se dibujar!, ¿estás seguro?, Todos tenemos la habilidad del dibujo, es decir de representar sobre una superficie lo que estamos percibiendo por el sentido de la vista. La dificultad radica en representar sobre una superficie que, como todos sabemos, tiene dos dimensiones, un volumen que tiene tres. Cuando nos ponemos delante de un modelo objeto, persona, animal, planta, lo miramos percibiéndolo con sus tres dimensiones, con todo su volumen, pero a la hora de trasladarlo al lienzo o a la hoja de papel, nos perdemos en ese mar de confusiones: perspectiva, proporción, escorzo … y entonces es cuando piensas que eres incapaz de reducir a dos dimensiones lo que estás viendo en tres, llegando a la conclusión de: “¡esto no es lo mío!, ¡no se dibujar!, sin embargo, cualquier persona tiene el potencial necesario para dibujar, otra cosa es la genialidad. Todos sabemos dibujar, lo que no sabemos es mirar. Cuando miras un objeto lo haces con visión binocular (dos ojos). La perspectiva se obtiene con visión monocular, es decir empleando un solo ojo, lo que conocemos como punto de vista.

Cualquiera que esté leyendo este artículo, por el hecho de saber leer, sabe escribir, y ¿qué es la escritura si no un dibujo? al escribir estamos haciendo un dibujo, una representación abstracta, con un grafismo representamos un fonema, un sonido, ¿no le parece esto más difícil que representar algo concreto?, entonces ¿por qué no sabemos representar lo que vemos? La respuesta está en tu cerebro, usamos el lado izquierdo de nuestro cerebro que es el lado verbal, temporal, de la racionalidad, de la lógica, en vez de usar el hemisferio derecho que es el lado de la creatividad, de la intuición.

Nuestro sistema educativo está diseñado para cultivar el lado izquierdo de nuestro cerebro, potenciando el razonamiento, la lógica, lo verbal, la temporalidad, abandonando a su suerte el hemisferio derecho, por lo que cuando queremos dibujar una mano, pongamos por ejemplo, es el lado izquierdo el que interviene y ya se hace la idea, ya se como es una mano, no me hace falta ni mirar: “una mano tiene cinco dedos …”, con las características que todos conocemos, anulando de esta forma al lado derecho que cada vez se va haciendo mas perezoso. El hemisferio izquierdo no deja intervenir al lado derecho, le anula por que no hemos sido educados para ello. Para apoyar esta idea fijemonos en los niños de corta edad, que todavía no se han “contaminado” con las enseñanzas que les proporcionamos, sus dibujos son totalmente libres y coherentes, casas, mesas, sillas, soles, árboles incluso personas con sus correspondientes prendas de vestir son representados con gracia, y en cambio no saben escribir. Están usando el lado derecho, cosa que vamos abandonando poco a poco hasta dejarla totalmente olvidada. Si hubiésemos seguido desarrollando y usando nuestro lado derecho, no tendríamos problema en la percepción de la perspectiva, la proporción, el escorzo, etc. Por lo que les propongo empezar desde este momento a educar tu hemisferio derecho.

 Elementos y fundamentos básicos sobre perspectiva.

Existen unos cuantos elementos básicos que debemos conocer y unos fundamentos que no debemos olvidar a la hora de componer un dibujo y, entre los imprescindibles, hemos de citar:

La línea del horizonte
(En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas LH), por lo que la Línea del horizonte es una línea imaginaria que, mirando al frente, se halla situada a la altura de nuestros ojos. El ejemplo típico que se emplea para ilustrar la línea del horizonte es un día en la playa. La línea del horizonte coincide con la línea que delimita el cielo y el agua. Si estamos tumbados en la playa vemos poco mar, la línea del horizonte está baja, si nos ponemos de pie, vemos más superficie de agua, con nosotros ha subido la línea del horizonte, y mucho más si nos asomamos a los acantilados, la línea del horizonte habrá subido con nosotros y estará muchísimo más alta. Por lo tanto antes de empezar a dibujar, a pintar tenemos que determinar donde se encuentra la línea del horizonte, encima o debajo del tema que queremos representar, incluso puede ser que se halle situada fuera del cuadro.
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 El punto o puntos de fuga.
(En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PF) Los puntos de fuga se hallan siempre situados en la línea del horizonte. Si observamos la Fig. 2, que representa los andenes de una estación de tren, veremos que todas las líneas paralelas perpendiculares al horizonte confluyen en un punto que es al que denominamos punto de fuga. En un dibujo se pueden emplear uno o más puntos de fuga, según como sea la perspectiva: perspectiva paralela, (a la que algunos llaman frontal) con un solo punto de fuga, perspectiva oblicua con dos puntos de fuga y perspectiva aérea con tres puntos de fuga. (Ver Fig.3). Si observamos la figura 3, notaremos que en la perspectiva aérea nos quedan dos puntos de fuga fuera del plano del cuadro.1718
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 Plano del Cuadro. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PC) Es la superficie física del elemento sobre el cual vas a dibujar o pintar, que no es más que el papel o lienzo sobre el que plasmamos el dibujo. Lo que Leonardo da Vinci llamo la ventana y León Batista Alberti (arquitecto S. XV) llamo el velo. (Ver Fig. 4).

Punto de vista. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PV) Es el punto desde donde miramos. Se halla situado en el mismo plano que la línea del horizonte y a la misma altura que el punto de fuga. (Ver Fig. 4).

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  Línea de Tierra. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas LT). Que es la línea imaginaria donde se apoya el modelo a reproducir. Por lo que la distancia entre la línea de tierra y el punto de fuga será igual a la que existe entre el suelo (Plano de Tierra) sobre el que estamos y nuestros ojos. (Ver Fig. 4).
Plano de Tierra. (En los dibujos nos referiremos a ella con las siglas PT) El plano de tierra es la superficie sobre la que nos asentamos tanto nosotros como el modelo objeto de nuestra observación. (Ver fig. 4).
Punto de fuga de diagonales.
(En los dibujos nos referiremos a este término con las siglas PFD).
Este es un punto de fuga adicional que se emplea para representar espacios y formas iguales que fugan al horizonte, como por ejemplo los palos de un tendido eléctrico, las columnas de un claustro, las baldosas de una sala.
Para situar los puntos de fuga de las diagonales de forma precisa en la perspectiva paralela, seguiremos la siguiente norma: situaremos a partir del PF, los PFD1 y PFD2 a la distancia que separa el PV del PF. Valga como introducción el siguiente esquema que más adelante volveremos a incidir sobre el tema.

Conocimientos básicos de geometría.

Se supone, que una vez hemos llegado aquí tenemos unos ciertos conocimientos mínimos de geometría, conoceremos un vocabulario básico referencial y que sepamos reconocer y diferenciar una línea de un segmento, o saber distinguir entre rectas paralelas, rectas convergentes, rectas divergentes, rectas perpendiculares, rectas oblicuas, la forma y propiedades básicas de un ángulo recto, un agudo y un obtuso, la bisectriz de un ángulo, el triángulo equilátero, triángulo isósceles, triángulo rectángulo, cuadrado, rectángulo, rombo, poliedro, diagonales y alturas, diferencia entre círculo y circunferencia, diámetro, radio, cuerda, paralelepípedo, cubo, prisma, pirámide, cilindro, esfera, cono … etc.

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PERSPECTIVA

Del latín perspectiva, y del verbo perspicere, “ver a través de”.
La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.
Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.
Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos cuando están más lejos.
La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que  permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.
El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante.
La perspectiva también es la estructura sobre la cual se apoya la forma de visión del hombre moderno, a partir del Renacimiento, que es cuando se instaura definitivamente en la plástica.
Elementos principales de la perspectiva
¿Haz viajado por una carretera recta alguna vez? Te darás cuenta que al ver al frente, hacia el horizonte, los objetos se observan más pequeños, lejanos…
Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas:

Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano, nunca se encontrarán.

Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.
Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en un punto.
Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones.
Con la unión de estos tipos de líneas podrás lograr efectos interesantes ya que la perspectiva consiste en representar las cosas como se ven.
Como sabrás, las líneas son un conjunto de puntos unidos, si vemos una línea con una lupa se vería así:
…………………………………………………….
El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las líneas pueden partir de un punto a otro.
Para lograr la perspectiva se mezclan los diferentes tipos de líneas y el punto, aunado al cambio en el tamaño de los objetos.
Algunos tipos de perspectiva son: perspectiva lineal, perspectiva aérea, perspectiva invertida,  perspectiva de importancia y perspectiva axonométrica. 
La perspectiva lineal consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad.
En rigor, el punto de fuga está situado en profundidad dentro del cuadro.
TIPOS DE PERSPECTIVA
Perspectiva que trabajaremos para grado 6°
Según la posición que adopte el espectador frente al modelo, se pueden distinguir tres tipos de perspectivas.
PERSPECTIVA PARALELA o FRONTAL
Se utiliza un único punto de fuga que coincide con el punto principal.

 
PERSPECTIVA OBLÍCUA
Utiliza dos puntos de fuga localizados en el horizonte en un ángulo de 90º con el vértice localizado en el punto de vista.

 
PERSPECTIVA AÉREA
Cuando el horizonte está muy alto o muy bajo, las líneas verticales se alteran por la perspectiva y necesitamos un tercer punto de fuga localizado.

Dibujar un cuadrado en perspectiva paralela.

A esta perspectiva, algunos la denominan frontal.
Trazaremos en el plano del Cuadro la línea del horizonte, y sobre ella situaremos un punto de fuga (PF). A partir de aquí trazaremos dos líneas divergentes A y B, y uniremos dos puntos de ellas con una línea que sea paralela con la línea del horizonte, que pueden ser los puntos A y B, a una distancia menor que el segmento AB, seguidamente uniremos otros dos puntos C y D, en este caso por encima del segmento AB, obteniendo de esta forma un cuadrado en perspectiva.

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 Verdad que no lo parece, pues veamos los fundamentos en los siguientes puntos:
1ª. Dibujaremos a mano alzada un cuadrado lo más perfecto posible, ayudándonos de las medidas que tomaremos con el lápiz y el “ojímetro” y, a continuación, cerca del extremo superior del plano del cuadro, dibujaremos la línea del horizonte y un punto de fuga situado algo desplazado, en este caso hacia la derecha, pero podemos situarlo en el punto que queramos de la línea del horizonte. (Ver figura 7).

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 2ª. Ya tenemos dibujado nuestro cuadrado, perfecto cuyos vértices son A,B,C,D y un punto de Fuga en la línea del horizonte. Seguidamente, desde el punto de fuga, trazaremos líneas que unan, el punto de fuga con cada uno de los vértices del cuadrado, como se muestra en el primer cuadro A de la figura nº 8. Ahora imaginemos  que tenemos el cuadro que he dibujado físicamente, situado sobre el plano de tierra, y lo dejo caer hacia atrás.

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 ¿Qué ha pasado?, que el plano A, que antes estaba vertical ahora esta en posición horizontal y la superficie azul del plano A también ha cambiado de posición, mejor dicho de plano y por lo tanto los lados AD y BC, antes situados en un plano perpendicular, ahora se sitúan en un plano horizontal, por lo que ambos lado coinciden con las líneas de fuga que llegan de PF a los vértices A y B.
Aprovechando esta circunstancia, que hemos creado un cuadrado en perfil y en planta con perspectiva, continuaremos hasta completar un cubo.

  Dibujar un cubo en perspectiva paralela.

1º. Siguiendo los pasos 1º y 2º del apartado anterior tendremos construidas dos caras de un cubo la A y la B y seis vértices a los que nombraremos, partiendo del primer cuadrado, con las letras A,B,C y D para la primera cara vertical A, y A,B,E y F para la cara del plano del suelo B. Ver la siguiente figura nº 9.

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 2º. Llegados a este punto es muy fácil completar el cubo, procederemos de la siguiente forma:

2.1. Sobre el vértice E levantaremos una perpendicular hasta que corte la línea de fuga que une el PF con el vértice C. El punto de unión será otro vértice del cubo al que nombraremos con la letra G.

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  2.2. Sobre el vértice F, levantaremos otra perpendicular hasta corta la línea de fuga que une el punto PF con el vértice D, obteniendo de esta forma el vértice restante al que nombraremos H y completando el cubo o exaedro. Ver figura 10.

La siguiente figura nos ilustra gráficamente de lo que es la perspectiva paralela o frontal.

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 Dibujar un cubo en perspectiva oblicua.

Comenzaremos por trazar la Línea del horizonte y sobre ella señalaremos el Punto de Fuga 2 (PF2) y la vertical desde nuestro punto de vista.
Desde el (PF2) trazaremos dos líneas no muy separadas de la línea del horizonte y sobre ella construiremos una de las caras del cubo o hexaedro (Fig. 11)

2510 Seguidamente desde el vértice superior izquierdo, trazaremos la línea C hasta que corte la línea del horizonte, donde señalaremos el Punto de Fuga 1 (PF1), tratando que, la línea C con la línea A formen un ángulo superior a 90º. (Fig. 12).

2611A continuación trazaremos, desde el punto PF1, la línea D hasta el vértice inferior izquierdo y procederemos a construir otra cara lateral. (Fig. 13).

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Para construir la cara superior, trazaremos desde los Puntos de Fuga (PF1) y (PF2) sendas líneas E, F, hasta los vértices superiores laterales (Fig. 14)

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Ya tenemos formado visualmente el cubo, aunque para comprobar que verdaderamente es un cubo hemos de dibujar las líneas y caras , opuestas que naturalmente no vemos, para ello trazaremos desde los puntos de Fuga 1 y 2, sendas líneas hasta los vértices inferiores laterales (líneas azules H y G) para finalmente trazar la perpendicular J que une los vértices posteriores. (Fig. 15)

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   Dibujar un círculo en perspectiva

Empezaremos dibujando un cuadrado perfecto, y en el trazaremos las mediatrices y sus diagonales.
Señalaremos los puntos de las mediatrices y a continuación dividiremos cada diagonal en seis partes iguales, es decir en tres partes a cada lado del centro, bien entendido que todo esto se tiene que realizar a ojo, es decir a OJÍMETRO.
En principio hagámoslo viendo el cuadrado de frente, el punto de vista perpendicular al plano. La visión y construcción serían de la siguiente forma:
Trazaremos las dos diagonales y las dos mediatrices , dividiendo el cuadrado en cuatro cuadrados y ocho triángulos rectángulos isósceles e iguales.

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 Seguidamente señalaremos los puntos donde las mediatrices dividen los lados del cuadrado en dos partes iguales y seguidamente, dividiremos cada diagonal en seis partes iguales, partiendo del centro tres partes iguales a cada lado:

Una vez que tengamos señalados todos los puntos trazaremos la circunferencia circunscrita que pasara por los cuatro puntos que señalan las mediatrices y por los primeros puntos de las diagonales más próximos a los vértices, de la forma que se representa en las figuras que a continuación se reproducen. En la figuras 6 a, b y c.

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 Con esta estructura podemos seguir creando dibujos y formas. Uniendo todos restantes de las diagonales tenemos cuadrados y aún podemos crear muchos más que se deja para la imaginación de cada uno, ya que el objetivo del presente ejercicio es construir una circunferencia o círculo en perspectiva.(Fig. 17, a y b).

Hasta aquí hemos visto como construir una circunferencia o círculo inscrito en un cuadrado. Seguidamente procederemos a construir esta misma figura en perspectiva. Para ello aprovecharemos las normas y los pasos que se trataron en la construcción de un cuadrado en perspectiva. Seguiremos los pasos que se muestran a continuación.

3212 - construcción de un cuadrado en perspectiva.
- Trazado de las mediatrices y las diagonales.
- Señalización de los puntos medios de los lados y dividir las diagonales en seis partes iguales, tres a cada lado del centro.
- Unir los puntos medios de los lados con los puntos de los primeros tercios de las diagonales y conseguiremos dibujar una circunferencia en perspectiva..

Todo esto, claro está, se debe hacer a mano alzada, a ojo., con el “ojímetro”.

 Dibujar cilindros en perspectiva.

Para dibujar cilindros en perspectiva, usaremos los normas que hemos apuntado en páginas anteriores, construcción de cuadrados en perspectiva, de los círculos inscritos, para conseguir dibujar prismas rectangulares en perspectiva. Seguidamente dibujaremos los círculos en las caras superior e inferior que son cuadrados, uniendo a continuación, ambos círculos con líneas que unan los extremos de las mediatrices. Observad la siguiente imagen que explica gráficamente el proceso:

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Uno de los errores más comunes al dibujar formas cilíndricas, se comete al dibujar los bordes del objeto.
Hay que tener en cuenta que tanto la base como la cara superior del cilindro responden a sendas circunferencias por los que sus formas no deben ser angulosas, sino suaves y redondeadas. Ver imagen

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  Dibujar conos y pirámides en perspectiva

Para dibujar pirámides y conos en perspectiva, debemos partir construyendo un cubo, mediante la perspectiva paralela o bien usaremos la oblicua.Una vez que los tengamos construido, determinando el centro mediante diagonales en sus caras superior e inferior (base).
Seguidamente uniremos el punto medio de la cara superios con los vértices de la cara inferior.

La imagen adjunta es suficientemente explicativa para entender este proceso.

368

 Para dibujar el cono, una vez determinado el centro mediante las diagonales, dibujaremos el círculo circunscrito en la base, que será la base del cono.

 Dividir en profundidad un espacio en partes iguales. 

 Dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal a partir de las diagonales.

Cuando tenemos que dibujar edificios, caminos, vías, suelos de baldosas, postes y árboles en hilera, etc. hemos de construir un cuadriculado que nos permita colocar a cada cosa en su sitio y del tamaño adecuado. Esto exige una técnica a seguir en el trazado y que podemos resolver de dos maneras: usando diagonales y otra usando un segundo punto de fuga.   

377    
Supongamos que queremos dibujar una línea férrea que se pierde en el horizonte, pareciendo que las dos vías se juntan en un punto sobre la línea del horizonte, cuando la razón nos dice que los raíles, por ser paralelos, nunca llegan a encontrarse. Desde un punto de fuga situado sobre la línea del horizonte, trazaremos dos líneas, que serán las vías, y que en el dibujo están marcadas con los números 2 y 3, y sigamos suponiendo que estamos situados en el centro de la vía. Lo primero que haremos es definir y marcar la longitud de la primera traviesa (1), que siempre será paralela a la línea del horizonte, y los dos raíles (2 y 3) que se pierden en el horizonte, dando la sensación que se juntan en un vértice que será el punto de fuga (PF).

386

La segunda traviesa (4), hemos de posicionarla a ojo, es decir, observando la posición relativa en proporción a la longitud, para hacernos idea de la distancia, por supuesto paralela a la línea del horizonte y por lo tanto a la traviesa (1). Una vez ubicada la segunda traviesa (4), tracemos una mediana a la traviesa o línea (1), con lo que quedará dividido el cuadrilátero inicial en dos. Fig. 18 a.

397

 

Hemos de hacer notar que en muchos de los manuales de perspectiva que circulan por la red, y de forma impresa, al llegar a este punto, sostienen que hemos de dividir la figura en dos partes iguales mediante una bisectriz, y eso es cierto en tanto en cuanto el punto de vista esté situado justo en medio de la vía, pero como quiera que estar situado en este punto es peligroso, nos saldremos fuera de la misma para dejar paso al tren, situándonos a izquierda o derecha de la vía, El punto de vista habrá cambiando, aunque las traviesas seguirán paralelas a la línea del horizonte, formando, de esta manera, un triángulo escaleno por lo que sus lados y sus ángulos serán todos desiguales. Y es aquí donde se produce la confusión, no tenemos que dividir la superficie en partes iguales.

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Lo que tenemos que hacer es dividir la primera traviesa en partes iguales, por lo que NO tendremos que trazar una bisectriz sino una mediana desde el punto medio de la primera traviesa, siendo esta, uno de los lados del triángulo escaleno. Recordemos la definición de mediana:” es la línea que une cualquier vértice con el punto medio del lado opuesto al vértice”. (Ver figura 18 c) La línea en rojo es la bisectriz, la línea en azul es la mediana.

Ahora trazamos una diagonal a uno de los cuadriláteros, prolongándola hasta cortar al lado 2 en el punto b y, desde este punto, trazamos una paralela a la “traviesa” anterior obteniendo así, la posición de la tercera “traviesa”. Repitiendo la operación “n”; veces obtendremos las siguientes posiciones. Puntos c, d, e, …..… n, hasta obtener el esquema definitivo o que consideremos.

4115

 Dividir en profundidad un espacio en partes iguales.

Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar el metodo de un segundo punto de fuga. Veamos cómo se hace. Partimos de la misma figura que hemos empleado en el caso anterior (Figura 18).4210

 

Procederemos de la siguiente forma: En primer lugar definiremos y marcaremos la longitud de la primera traviesa (1) y posicionaremos la segunda traviesa (4) en proporción a la longitud. Seguidamente, hallaremos el punto de fuga, para ello, desde el vértice “a” formado por la intercesión de 1 y 3 trazaremos una línea,”diagonal” D1 al primer cuadrilátero formados por las dos traviesas 1 y 4 y los raíles 2 ,3, prolongándola hasta que corte la línea del horizonte y, en el punto donde se cruzan, señalaremos el Punto de Fuga de Diagonales (PFD). (Ver figura 19). 
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 Desde el punto de fuga de Diagonales (PFD) trazaremos otra línea D2, hasta unir con el punto b, extremo opuesto de la segunda traviesa y por el punto donde D2 corta a 2, trazaremos otra paralela a la línea del horizonte y por lo tanto a las traviesa 1 y 4. El punto donde esta tercera traviesa se une con la vía 3, le llamaremos c.

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 Dividir un espacio en partes iguales en el plano vertical.
Dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano vertical.
Para el caso de tener que dibujar los postes de un tendido eléctrico o telefónico, las columnas de un claustro, árboles de un camino, etc. podemos usar este otro procedimiento con puntos de fuga sobre una vertical. Como si tuviésemos que colocar una línea de postes de la Luz o situar las columnas de un claustro.

El método que usaremos para llevar a término dicha división es cualquiera de los descritos en el apartado anterior. En este caso usaremos un Punto de fuga PFD situado en un eje vertical, por encina de la línea del Horizonte LH donde se ubica el punto de fuga principal (PF).

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Lo primero que haremos es trazar la Línea del Horizonte LH, y señalar un Punto de Fuga, levantando una perpendicular para posteriormente situar el Punto de fuga de las diagonales PFD. Seguidamente trazaremos, desde el Punto de fuga PF, las líneas que delimitarán la altura de los postes y, en en el extremo, definiremos el primer poste y es segundo, teniendo en cuenta las proporciones. A continuación trazaremos la mediana y despues la primera diagonal que pasando por el punto de interccesión con el segundo poste la prolongaremos hasta que corte a la vertical que trazamos en primer lugar, con el fin de establecer el Punto de fuga de Diagonales (PFD), que mencionabamos en el segundo párrafo. Continuaremos procediendo de igual forma hasta que tengamos resuelto nuestro boceto.

En realidad es lo mismo que hicimos en el caso anterior, solo que hemos girado el dibujo 90º a la derecha.

Canon del cuerpo y las proporciones.

La figura humana, al igual que todos los demás objetos, está sometida a las leyes de la perspectiva y como tal deberemos tratarla según unas normas establecidas, con el fin de guardar las proporciones, en relación a su posición relativa.

No debemos olvidar que la figura humana compuesta por el cuerpo, los brazos, piernas, cabeza, … no es más que un conjunto de cilindros a los que necesariamente afectará la perspectiva más o menos, siempre dependiendo de la distancia a la que esté de la denominada “Línea del horizonte”.

Para el estudio y representación de la figura humana, podemos dividir el cuerpo en ocho partes iguales siendo la cabeza la unidad. Dicho de otra forma el canon de cuerpo humano ideal es de ocho cabezas de alto. Observa los siguientes gráficos que nos servirán de ejemplo.

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En los dibujos anteriores podemos comparar y situar todas las partes del cuerpo, aunque estas posiciones son relativas tanto en el hombre como en la mujer. Hemos de partir de la base que esto es un canon establecido, pero evidentemente cada persona es distinta a las demás y tiene sus particularidades.

El canon nos sirve para el estudio de las proporciones y así situaremos el pubis en el centro de la figura, el pecho coincidiendo con la segunda línea, algo más bajo en la mujer al igual que sucede con el ombligo, las manos se sitúan a la misma altura, al igual que las rodillas, en fin que estos bocetos nos sirven de guía, aunque a la hora de dibujar una persona tenemos que fijarnos en sus particularidades.

Los niños guardan otras proporciones. Observe:

467Como el niño es una persona en constante y rápida evolución es difícil concretar un canon, aunque podemos establecer uno aproximado: cinco cabezas para niños de dos años, de seis cabezas entre seis y doce y siete entre los doce y los quince, aproximadamente. 

LOS COLORES

bola-color

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano receptor.

Es un fenómeno físico-químico asociado a las infinitas combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas como colores según las longitudes de ondas correspondientes (véase: tabla de longitud de onda). El ojo humano sólo percibe el color cuando la iluminación es abundante. Con poca luz vemos en blanco y negro.

El color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

El ojo humano distingue unos 10.000 colores.

El círculo cromático.

El círculo cromático permite identificar las distintas familias de colores y la relación que existe entre ellas.

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1719

Colores  primarios.1817Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. Si se mezclan los tres a partes iguales, se obtiene el negro.

Los colores secundarios

1917

Para crear los colores secundarios se mezclan dos primarios a partes iguales. Así obtenemos el violeta (rojo y azul), el verde (azul y amarillo) y el anaranjado (rojo y amarillo).

Los colores terciarios

2016

 Para crear los colores terciarios se mezclan dos primarios en cantidades desiguales. Por ejemplo, para obtener un violeta rojizo, mezcle una parte de azul con dos partes de rojo.

Colores  cuaternarios.
Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario + amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario + azul terciario da un verde muy neutro (verde oliva) y rojo y azul terciario da un violeta neutro parecido al de la ciruela.

Colores fríos y cálidos.
Se denominan colores fríos a todos los que participan o en su composición interviene el azul y cálidos, a todos aquellos que “participan” del rojo o del amarillo.
Los colores  cálidos  (rojo, amarillo y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego… de ahí su calificación de “calientes”.
Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, el hielo, la luz de la luna, el azul y los que con el participan.
Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado “Temperatura del color”.

Los colores complementarios son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático.

Círculo cromático
Colores cálidos y fríos
Colores complementarios 

2122

  Los colores pastel

Los colores pastel son aquellos que contienen gran cantidad de blanco. Como son muy claros, es raro que creen contrastes discordantes con otros colores. Generan ambientes cómodos y espaciosos en cualquier habitación.

La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados.

Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.

Los colores neutros

Los colores neutros son los distintos tonos de blanco, gris y negro.

2222Que no poseen tono o matiz o, en otras palabras, que absorbe o refleja todas las longitudes de onda en la misma proporción. El término se refiere también a aquel material impreso que solamente contenga blanco, negro o la gama de gr ises. Los colores acromáticos son conocidos también como colores o grises neutros.

Términos básicos

  • El tinte de un color es el color básico. Por ejemplo, tanto en el azul claro como en el azul oscuro, el tinte es el azul.
  • El matiz describe la densidad y el índice de reflexión del color. El matiz es muy importante a la hora de elegir una combinación de colores.
  • El valor (luminosidad) de un color es la cantidad de blanco o negro que contiene. El valor puede ir de claro a oscuro en una escala de grises.
  • La saturación de un color está relacionada con su pureza y su intensidad.

                                                                                                                                 PAISAJISMO 

543El Arte de paisajes representa pictóricamente escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye en la vista el cielo, y el tiempo usualmente es un elemento de la composición. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma la superficie de la tierra, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños.

En la pintura occidental, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, como fondo de cuadros de otro género (como la pintura de historia o el retrato) hasta constituirse como género autónomo en la Holanda del siglo XVII.

Por la manera en que está tratado el tema del paisaje, cabe distinguir tres tipos fundamentales:

  1. El paisaje «cósmico» o «sublime», en el que se presenta la naturaleza de manera salvaje, inmensos paisajes que no necesariamente representan lugares realmente existentes, y en loa que el hombre se siente perdido. Dentro de esta línea estaría el «paisaje naturalista» que refleja una naturaleza grandiosa, abundante y salvaje, en la que aparecen fenómenos atmosféricos como tormentas.
  2. La naturaleza «dominada» por el hombre, como ocurre con el paisaje flamenco o neerlandés. La presencia del hombre hace que la naturaleza no parezca amenazadora. Muchas veces acaba siendo un «paisaje topográfico», que representa necesariamente un lugar preciso e identificable, con una naturaleza presentada de la manera más humilde.
  3. La naturaleza «colonizada» por el hombre, lo cual es típico del paisaje italiano. Aparecen campos cultivados de relieve, colinas, valles y llanuras con casas, canales, carreteras y otras construcciones humanas; la naturaleza ya no es una amenaza, sino que el hombre, además, la ha hecho suya. Dentro de este tipo de paisaje puede hablarse del «paisaje clásico», donde se representa una naturaleza ideal, grandiosa. La representación no es creíble, sino recompuesta para sublimar la naturaleza y presentarla perfecta.

Desde otro punto de vista, referido al tema que se representa y no tanto a la manera en que se trata, cabe diferenciar entre:553

  • Marinas en composiciones que muestran océanos, mares o playas.
  • Paisajes fluviales composiciones con ríos o riachuelos.
  • Paisajes estelares o paisajes nublados son representaciones de nubes, formaciones del clima y condiciones atmosféricas.
  • Paisajes lunares muestran paisajes de la visión de la luna en la tierra.
  • Paisajes urbanos muestra ciudades.
  • Hardscape o paisajes duros, en el que lo que se representa son zonas como calles pavimentadas y grandes complejos de negocios o industrias.
  • Paisaje aéreo o etéreo, mostrando la superficie terrestre vista desde arriba, especialmente desde aeroplanos o naves espaciales. Cuando el punto de vista es muy pronunciado hacia abajo, no se aprecia el cielo. Este género puede combinarse con otros, como en el arte etéreo nublado de Georgia O’Keeffe, el paisaje etéreo lunar de Nancy Graves o el paisaje etéreo urbano de Yvone Jacquette.
  • Paisaje onírico, en composiciones parecidas a los paisajes (generalmente surrealistas o abstractos) que buscan expresar la visión psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional.

EL  ARTÍSTA  

 Es el compositor de obras bellas o artisticas.Y más concretamente: el que ve siente, crea y realiza la belleza de una forma sensible.
6-aVe la belleza
. Todos los hombres ven algo: la belleza, pero el artista la descubre en más objetos y en más detalles la penetra más intimamente, sorprende sus matices más recónditos.
Siente la belleza.
Se entusiasma con ella, con un amor profundo que penetra en su ser.
La crea.
El entusiasmo que siente es activo. Le lleva a combinar en su imaginación las formas bellas que ha contemplado y  dar ser a otras formas nuevas.
La realiza.
No se contenta con crear la belleza en su imaginación, sino que la reproduce en formas sensibles.
Facultades del Artista
Imagen Creadora Poderosa y fecunda, rica en invenciones. Es la facultad estética por exelencia.
La imaginación del artista no es únicamente receptora, que recibe las imágenes del exterior y las recuerda; es la imaginacíon productora, creadora.
 Esta imaginación presupone:

·         Sentido Particular para comprender la realidad y sus formas diversas.

·         Atención despierta a todo lo que impresiona la vista y el oido que graba las imágenes de las cosas.

·         Facultad de componer otras nuevas formas de belleza con las observadas en la naturaleza.

·         Memoria. Para que la imaginación realice esta obra creadora es necesaria la memoria; pues la imaginación no puede edificar sin elementos de composición y para ello necesita que la memoria tenga un deposito de materiales sacados de la observacion continua del mundo fisico y moral.

·         Talento de Ejecución. Habilidad técnica, destreza artística. Todos estos nombres recibe la aptitud para manejar el material artistico.

Si el hombre que concibe una obra artistica carece de medios para expresarla, se le quedará en el transcuero, como suele decirse. Germinará y morirá en la mente del que la concibió. La creación imaginativa, es una disposición natural; pero debe perfeccionarse y cultivarse. Un aprendizaje serio aumenta la natural. Los artistas noveles se resienten de esta facultad que está muy desarrollada en los que llevan largos años de pratica.

·         Inteligencia. El artista necesita el concurso de la inteligencia; aunque no sea ésta su facultad principal

Tiene que tener una idea clara de lo bello.
Debe reconocer el valor de las formas manifestativas de la belleza.
Lo que es substancial y accidental.
En toda obra artística ha de existir ha de existir una idea determinada, que de unidad; y buscar esta idea es obra de la inteligencia.
En la composicion misma es necesaria la reflexión; es decir, el trabajo de la inteligencia que compara una parte con otra, que escoge los medios más aptos para el fin, los aplica y los coordina.
Debe conocer tambien los elementos de la composición, sean de orden físico para las pinturas y descripciones que haga con ellos, sean de orden moral, para lo cual necesita conocer el corazón humano.
Puede concebir bellezas en que predomine el carácter intelectual. Encarnar en símbolos bellas ideas que presuponen actos intelectuales.
Por fin, la inteligencia del artista, en alas del sentimiento, aunque no sea por deducciones trabajosas, sino más bien por intuiciones súbitas, se eleva a veces a las regiones de lo espiritual e invencible.

·         Sensibilidad. Es una facultad importante para el artista.

La necesita:

*       Para sentir la belleza que ha de ser la fuente de sus inspiraciones.

*       Para reproducir los afectos humanos. Si quiere acertar con su verdadero acento es necesario que los haya sentido o sea capaz de sentirlos.

Facultades Morales. Las principales son:

Probidad, o como dicen otros, espíritu ético. Es decir conducta ejmplar, costumbres rectas.
Amor al bien, que será la fuente de la moralidad de sus obras.
Sin él tendrá cerrada la fuente de la belleza moral, que produce las más exquisitas bellezas artísticas.

·         Buen Gusto. La palabra gusto en su sentido propio expresa el sentir y discernir el sabor de llos manjares. Metaforicamente significa la facultad de sentir lo bello y discernirlo de lo no bello.

Este es el gusto que ha de tener el artista, y debe ser:

Ø       Recto y seguro, es decir conforme a principios ciertos e inconmovibles.

Ø       Universal, que estime lo bello en muchos objetos y en todos los órdenes distintos de belleza, sin limitarse a un campo determinado.

Ø       Delicado, que aprecie no solamente lo grande y saliente, sino tambien los más tenues matices y los más pequeños toques y perfiles.

Ø       Este gusto se consigue con una formación esmerada.

 ·         Inspiración. Las facultades del artista pueden estar dormidas o poco despiertas y pueden estar en plena actividad. Pues bien; la inspiración es el estado en que se encuentra el artista cuando todas sus facultades están en plena actividad.

Grados que pueden darse en las facultades del artista

722El Genio Artistico. Lo constituyen las facultades artisticas poseídas en un alto grado, puestas en conveniente equilibrio y enlazadas en un todo.

Sus notas distintivas son:

  Don Natural. Una dispocición nativa, una vocación.

  Poder de Intuición. Especie de adivinación de lo que otros no verían o alcanzarían después de mil tentativas.

Menéndez y Pelayo dice de Pereda: “Tuvo del genio muchos atributos: la vocación nativa e irresistible, la fuerza y la desigualdad, una mezcla de candidez y adivinación pasmosa.”
Schiller describe así el genio: “Es natural y sencillo necesariamente; el instinto es su guia, su sencillez triunfa de todas las complicaciones del arte. El genio imprime en sus obras un carácter infantil. Sus pensamientos más profundos parecen oráculos salidos de la boca de un niño. La expresion brota naturalmente de la idea; como por necesidad íntima la lengua y el pensamiento forman una sola cosa.”

  Fisionomia Individual que pase a sus produccuines, las cuales forman como una especie distinta de las demás obras de su clase. En una palabra: originalidad.
A la originalidad se opone la imitación, es decir la simple reproducción exterior de los caracteres de otro; pero no quita la originalidad, el que el artista haya sido educado por modelos anteriores y que conserve huellas de ellos.

=Talento. Hombre de talento es el artista que tiene habilidad en la composición; conocimiento, facilidad y uso discreto de los recursos artisticos; gusto delicado y correcto en toda la obra; pero sin la intuicion y la originalidad. Se limita a imitar las creaciones del genio, a introducir ligeras variantes, a desarrollar su actividad en obras de poca grandeza.
No quiere decir que el autor de talento esté desprovisto completamente de las facultades que en algo grado constituyen el genio, al contrario, puede observarse que en algún momento feliz, en un asunto adecuado a sus facultades, alcance la suprema belleza.

=Creación

La Creación Artística es la producción de una síntesis nueva, no vulgar ni intransendente, sino original y fecunda, a base de los elementos tomados de la realidad.
La creación artística es obra de la imaginación. Ella escoge entre las formas bellas que la realidad le presenta, las combina y las modifica para tomar un compuesto de otro.
La imaginación creadora, se ha dicho, no es una flor, sino la misma diosa Flora, que para producir nuevas combinaciones junta los cálices, cuya unión puede ser fecunda.
Esta imaginación creadora es una cualidad esencial del genio.

475

 

 

Una respuesta to “8.- Dibujo Artístico 6°”

  1. vanessa gallo Says:

    feliz dia del profe

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