6.- Dibujo Artístico 5°

 

 

“El Arte, alimento del alma y fortaleza del espíritu”.

EDUCACIÓN ARTÍSTICA

  Introducción: 

 Educar, es favorecer el desarrollo de los valores personales. El educador no debe influir para nada en el niño, sino respetar los valores personales de éste. Cuando pinta un niño es capaz de dar forma concreta a sus emociones, de entrar en contacto con el mundo, este puede ser un medio educativo si se le pone en condiciones determinadas. El padre y el maestro tienen que respetar las creaciones del niño; una incomprensión, un desprecio, pueden ser fatales y ocasionar graves perturbaciones en el tierno infante.

  Educar no es influir, pero tampoco es dejar de hacer, es obrar. Al niño, la creación artística se le presenta como el fin de su contacto con el adulto; pero para éste ha de ser ante todo un medio, un medio educativo.

Consecuencia de la necesidad natural de expresión es la práctica del arte. La expresión libre y espontánea de sus primeros días evolucionará en el niño hacia una forma voluntaria y reflexiva.La práctica del arte permite al niño adquirir confianza de sus posibilidades acerca de este medio de expresión; y como medio de expresión personal (en el niño) requiere de máximo respeto por parte del educador. 

En la “Clase de dibujo”, el maestro procuraba atiborrar al niño con una serie de “nociones técnicas…”; mientras que en la “Educación artística” se procura que el niño se manifieste espontáneamente. No es pues una enseñanza dada por el adulto al niño, pero si el despertar de facultades que están en este último en estado latente (por este medio se satisface en él la necesidad de dar expansión a uno de sus dos medios de expresión, el dibujo).

Hay que educar al niño por el arte, pero no equivocarse: EL ARTE NO DEBE ENTRAR EN EL NIÑO, DEBE SALIR DE ÉL.

No es por la contemplación de las obras maestras del arte que debemos realizar “la educación artística”, sino por las “creaciones libres” del niño en condiciones propicias.

La eficacia de un método no estriba en el número de conocimientos que imparte, sino en los resultados que de él derivan.

No es por la contemplación de las obras maestras del arte que debemos realizar “la educación artística”, sino por las “creaciones libres” del niño en condiciones propicias.

La eficacia de un método no estriba en el número de conocimientos que imparte, sino en los resultados que de él derivan.

La enseñanza prematura de la técnica, la copia de modelos expone a la niñez a perder este medio de expresión tan útil a ella. Es en el dibujo y por el dibujo que aparecen en el niño los primeros impulsos creadores. Este espíritu creador es el que libera al niño de los complejos de inferioridad tan perjudiciales a la infancia.

 La creación artística del niño no sólo puede servir como medio de expresión, sino también:

a)     El dibujo y la pintura pueden servir como medios de investigación.

b)    Tiene un valor funcional, reemplaza transitoriamente al lenguaje hablado…

c)    La creación artística puede ser un medio de curación en sí…

 El mundo plástico del niño

 …el “mundo plástico” del niño es distinto al del adulto. A cada ciclo corresponde, en el niño, un “mundo plástico” diferente. El “mundo plástico” de cada niño es propio y peculiar de él, es constitutivo de su personalidad.

El educador debe saber leer en un “cuadro”; debe conocer sus diversos elementos y no equivocarse, no debe confundir una flor con un árbol, una casa con un barco. Debe conocer los diversos elementos, más no debe interpretar el cuadro. En esto se distingue del psicoanalista y del grafólogo. El oficio del educador y el de éstos son en cierto modo,complementarios. Gracias al educador “nace el cuadro” pero si éste es un “mundo explorable”, no es él, el explorador.

Algunos maestros creen, reaccionando contra los métodos antiguos que basta proporcionar material al niño y decirle: “Haz lo que quieras”.

 El niño crea muy difícilmente solo; tiene necesidad del ambiente del grupo o del taller y sobre todo de la presencia de un maestro que lo ame, lo comprenda y lo anime. Por preguntas más que por consejos, animando y no criticando, respetando y no imponiéndose, el maestro desempeña ante sus alumnos el papel de confidente, guía y consejero técnico.

  El educador es quien hace “nacer el cuadro” y no obstante no debe influir o sugestionar al niño. Su presencia es indispensable, pero debe ser lo que el niño espera de ella.

 El “mundo infantil” se nos manifestará, cada vez más, a medida que practiquemos la educación artística. Reconoceremos pronto el estilo peculiar de cada niño, e igualmente sabremos apreciar toda ingerencia extraña, como modelos, sugerencias, influjo del adulto… en las auténticas creaciones infantiles.

 El niño acostumbrado a la copia pierde poco a poco su espíritu creador.

   El niño se deja influenciar por el ambiente, por los demás compañeros…; pero que un niño influya sobre otro la cosa no perjudica, más que el educador lo haga, sí.

 El educador no debe influir más que indirectamente en las creaciones infantiles. Ejemplo: el niño dibuja una casa sin puerta. Después de varios contactos entre educador y educando y cuando éste ha cobrado ya plena confianza en aquel; el educador puede preguntarle: “¿Cómo se entra a tu casa?”, y deja al niño resolver su problema. Si el niño agrega la puerta, No es un detalle más que añade a su dibujo, sino un conocimiento más que adquiere, el conocimiento del “espacio vacío”. Si el niño no dibuja la puerta, es que este proceso no se llevó a cabo. Claro que nada ganaríamos con que el niño dibujara la puerta como un elemento  más en su dibujo sin ese proceso mental.

 Es de toda evidencia que si el niño, en sus primeros dibujos, “saca” de sí mismo lo que representa, lo que “saca” debe antes haberle “entrado”. El niño que pinta se hace observador para poder pintar y así resolver “los problemas” que la pintura le plantea.

 La función del educador es fundamental, pues a él corresponde el despertar de la imaginación del niño mediante sus preguntas, el librarlo de sus prejuicios y de su timidez, de protegerlo contra los otros y el enseñarle a superarse por sí mismo.

En la “educación artística” no debe haber notas, premios, clasificaciones, puntos y sobre todo concursos; pues la evoluciónde cada niño es distinta y libre, y con ello presionaríamos a los no favorecidos a “copiar” de los agraciados.

DIBUJO

 Es un arte visual en el que se utilizan varios medios para representar algo en un medio bidimensional o tridimensional . Los materiales más comunes son los lápices de grafito, la pluma estilográfica, crayones, carbón, etc.

 Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando un lapicero óptico (También conocido como Tabla o Tableta digitalizadora.) o un ratón de ordenador.

  Nos valemos del dibujo para representar lo que tenemos en la mente y que no podemos expresar detalladamente con palabras.

 Podría afirmarse que el dibujo es el lenguaje universal porque sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entiendan de modo gráfico. Hay dibujos que son reconocidos casi universalmente a los que se llama íconos. Ejemplos de éstos son las señalizaciones que prohíben fumar, los signos que diferencían los géneros y muchas señales de peligro o advertencias en las que se utiliza el lenguaje gráfico como un modo más directo y eficiente de entregar el mensaje.

 El dibujo es el lenguaje del que proyecta, con él se hace entender universalmente, ya con representaciones puramente geométricas destinadas a personas competentes, ya con perspectivas para los profanos. También se puede decir en otras palabras que es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto para construcción posterior.

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

 El dibujo es una forma de expresión visual a través de imágenes, es una de las mayores formas de las artes visuales.La palabra dibujo puede derivarse tanto en un verbo como en un sustantivo:

  • Dibujar (verbo) que significa “Delinear en una superficie, y sombrear imitando la figura de un cuerpoDibujo (sustantivo) que significa “Delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.”
  • Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por los seres racionales para transmitir sus ideas, proyectos y en un sentido más amplio su cultura.

Dibujar y pintar no es lo mismo. Las técnicas de “pintar” y “dibujar” pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, “pintar” incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.

El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos. Es justo señalar que los pintores modernos también incorporan el dibujo en su trabajo.

 El proceso de dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de práctica proporciona al artista un estilo propio y personal.

 No obstante, se tiene que conocer unas leyes o principios básicos aptos para poder empezar a caminar. Sin estas nociones empezaremos con un camino muy pedregoso.

 Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

  En palabras de Freinet, “diría exactamente que el niño dibuja para aprender a dibujar, es decir, a copiar exactamente un modelo o realizar un croquis acotado, y que el dibujo profundiza la observación y cultiva el sentido del gusto”.

 Materiales de dibujo: 

Materiales de dibujo son todos los objetos que se emplean para realizar un dibujo, como el papel (que es el soporte), y el lápiz (que es el instrumento).

Entre los instrumentos de dibujo, el más común es el lápiz, y hay una gran variedad, dependiendo de la dureza de su grafo (blandos y duros) y de la presentación que puede ser un lápiz común, o un lápiz mecánico.

La dureza del grafo está indicada por un número y una letra. La letra nos indica si es duro (H), o blando (B), y el número nos da el grado de dureza que tienen respectivamente, y comienza en “2”, pues el uno se indica con la letra sola, por ejemplo: el lápiz más duro es el 2H, uno intermedio es el HB, que no es ni blando ni duro, el más blando es el 7B, los pinceles que deben ser de todos los tamaños por comodidad.

Otros instrumentos son la pluma , el carboncillo,, el pastel (puede ser de tiza o al óleo), el crayón (es un color graso), la acuarela, los vinilos y el óleo . También están las gomas de borrar, que vienen en diversas formas y para distintos usos, lápiz, tinta, tinta china. Los afilalápices son muy importantes, pues de su calidad depende el buen filo del lápiz, y de este la calidad del dibujo.

 Los soportes: el más común es el papel, y puede ser de muchas clases. Los papeles se clasifican por su peso, grano, material. El peso determina el grosor del papel, un papel liviano sirve para dibujo a lápiz, pero si es muy fino, no sirve para pintar, para acuarelar es necesario un papel grueso. El grano determina el tipo de superficie del papel, los de grano fino son lisos y brillantes, los de grano grueso son ásperos, ideales para el dibujo a mano alzada y el lápiz. El material puede ser celulosa pura, o con diferentes mezclas de otros materiales, como la tela, empleado para acuarelar. También puede usarse el cartón como soporte, u otros materiales en los que se pueda emplear el instrumento que elegimos para dibujar. El cartón (paja), el lienzo y el bastidor ( en cartón o madera).

 ELEMENTOS PRIMARIOS  DEL DIBUJO
 

  El punto.

 El punto es la unidad mínima de información visual, y está caracterizado por su forma, tamaño, color y ubicación.

El punto es un objeto geométrico que no tiene dimensión y que se utiliza para indicar una ubicación.

El punto, en geometría, es uno de los entes fundamentales, junto con la recta y el plano. El punto describe una posición en el espacio.

 A los puntos se les suele nombrar con una letra mayúscula: A, B, C, etc.

 Algunas conceptos relacionados con los puntos

 *Dos puntos determinan una recta y sólo una.

*Tres puntos no alineados determinan un plano y sólo uno.

 La Línea

 Es una sucesión contínua de puntos.

 Es la distancia más corta entre dos puntos.

 Una línea no tiene ancho ni espesor, pero si longitud.

 Representa la forma de exoresión más sencilla y pura, pero también puede ser dinámica y variada.                           

 Cada línea tiene dos sentidos y una dirección.

 Clases de líneas:

 *Un segmento–, es un fragmento de recta que está comprendido entre dos puntos

 *Línea recta, sucesión continua de puntos tiende a ser infinita en ambos sentidos y direcciones.

*Rectas — cuando todos los puntos se encuentran alineados en una misma dirección.

*Línea curva, de formas redondeadas, con uno o varios centros de curvatura.

*Línea quebrada o poligonal, formada por segmento rectos consecutivos no alineados, presentando puntos angulosos.

*Línea curva abierta, si no están unidos los extremos.

*Línea curva cerrada, si están unidos los extremos (  por ejemplo: círculo)

*Línea mixta, una combinación de las anteriores.

Ejemplo:

LÍNEA RECTA

Así, dados dos puntos A y B, se le llama segmento AB a la intersección de la semirrecta de origen A que contiene al punto B, y la semirrecta de origen B que contiene al punto A. Luego, los puntos A y B se denominan extremos del segmento, y los puntos de la recta a la que pertenece el segmento (recta sostén), serán interiores o exteriores al segmento según pertenezcan o no a este.

  

CLASES DE RECTAS EN UN PLANO

Dos rectas o más pueden encontrarse entre sí en distintas posiciones posibles:

 PARALELAS: dos rectas ubicadas en el mismo plano se denominan paralelas cuando  todos los puntos de ambas se encuentran a la misma distancia.

 DIVERGENTES: dos rectas ubicadas en el mismo plano se denominan divergentes — cuando los puntos de ambas van aumentando su distancia.

 CONVERGENTES:  dos rectas ubicadas en el mismo plano se denominan convergentes — cuando los puntos de ambas van dismuyendo su distancia; y eventualmente ambas rectas se cruzan en un punto.

 Las rectas convergentes, pueden ser:

 Perpendiculares — cuando dividen el plano en cuatro partes iguales; es decir, cuando al cruzarse ninguna resulta estar inclinada respecto de la otra.

 

Oblicuas — cuando se cruzan en forma inclinada entre ellas, y por lo tanto dividen el plano en cuatro sectores de los cuales dos son iguales, pero distintos de los otros dos que a su vez son iguales entre sí.

 

 Líneas curvas. 

Las líneas curvas son, en sentido general, todas las que no son rectas; pero en geometría las líneas curvas tienen de todos modos alguna regularidad en su desarrollo, de manera que evolucionan en cierta continuidad.

 Clases de líneas curvas regulares.

  Las líneas curvas regulares pueden clasificarse de conformidad con el factor que constituye la determinante de su forma, que en algunos casos resulta bastante complejo.

 La circunferencia — es una curva regular cerrada, que se caracteriza porque todos sus puntos están a igual distancia de un mismo punto, llamado centro. Por consiguiente, todos los segmentos determinados por la unión del centro con cualquiera de los puntos de la circunferencia son iguales.

La elipse — es una curva regular cerrada, que se caracteriza porque la suma de la distancia de cada uno de sus puntos respecto de dos puntos situados en su interior, llamados focos, es siempre igual.

  La espiral — es una curva regular abierta, que se caracteriza porque gira sobre sí misma, de manera que la distancia mínima entre cada uno de los puntos de las vueltas siguiente y anterior, es siempre igual.

  La parábola — es una curva regular abierta, que se caracteriza porque cada uno de sus puntos está a una distancia siempre igual, determinada la sumade su distancia a un punto de una recta llamada directriz, más su distancia a un punto situado sobre la perpendicular a la directriz, llamado foco. 

PLANO.

  Una idea de plano nos la sugiere la superficie de un tablero, el piso, etc. Un plano tiene dos dimensiones, largo y ancho. Un plano tiene una extensión ilimitada. Un plano se considera constituido por un conjunto infinito de puntos. Se denota el plano por cuatro de sus puntos y mediante el siguiente símbolo:

DIBUJO SEGÚN SU APLICACIÓN

  De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se clasifica en:

 Dibujo Artístico

 El “Dibujo Artistico” se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. Pero no solo podemos referirnos a la representacion de formas ya antes vistas sino creando nuevas imagen con significado y mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido. 

 Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.

 Los dibujos artísticos suelen de ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas al punto de resemblanzas de tipos de vida. Un ejemplo son los retratos, la naturaleza o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como la caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los comics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto. Los bocetos son dibujos preparatorios para pintar, que son coloreados a lo largo del trabajo.

  Dibujo Técnico

 Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en “Dibujo Técnico Especializado”, según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.

 Dibujo a mano alzada.

  El dibujo es un arte visual en la que intenta representar algo en un medio bidimensional. Para hacer esta representación se utilizan varios medios y materiales como pueden ser los lápices, plumas estilográficas, crayones, carbón y en superficies como por ejemplo el papel.

 En el caso del dibujo a mano alzada, este es aquel que se realiza simplemente utilizando nuestras manos y algún material para dibujar, sin utilizar ningún tipo de instrumentos adicionales como pueden ser reglas, escuadras, etc.

 El dibujo  mano alzada esta enfocado hacia la parte más esencial e inmediata del dibujo, el que se realiza simplemente con la mano, con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica y carboncillos.

  Existen muchos materiales para poder realizar un dibujo a mano alzada. Podemos pasar desde pinceles, pinturas, lápices, grafitos, lápices de colores, goma de borrar, etc.

Lo que debemos tener en cuenta es que no se utilizan otros instrumentos mas que nuestra mano. Sin reglas, escuadras ni compases.

 El dibujo a mano alzada se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones, igualmente que el dibujo artístico. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve. El dibujo a mano alzada es todo lo contrario del dibujo técnico.

 Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.

El  dibujo a mano alzada es muy utilizado. Es la parte más esencial e inmediata del dibujo, normalmente realizados con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica, carboncillos, etc.

El dibujo a mano alzada se utiliza para realizar el croquis, el boceto y el apunte.

Si bien todo el dibujo se realiza a mano,  la particularidad del dibujo a mano alzada, está dada precisamente, como su nombre lo indica, en que debe realizarse con la mano alzada. Es necesario tener libertad de movimiento en la muñeca para realizar este dibujo, para trazar las líneas, aunque en ocasiones, se emplea un truco que consiste en apoyar la mano sobre el papel y deslizarla a lo largo de la hoja, para conseguir líneas más rectas, evitando que la mano tiemble. 

También se conoce esta técnica como dibujo a pulso, porque no emplea ninguna herramienta auxiliar, excepto el lápiz (o rotulador, carbón, crayón, pastel, rapidógrafo, Mouse, etc.) y la mano.

El dibujo a mano alzada no se hace a escala, pero mantiene las proporciones, para obtenerlas, se emplean trucos simples como tomar medidas con el brazo extendido, ayudándonos con el lápiz, y estas medidas son trasladadas a la hoja.

Tipos de dibujo a mano alzada:

 Dentro de la técnica de dibujo a mano alzada distinguimos varios tipos: dibujo del natural, dibujo artístico, croquis, caricatura.

 • Dibujo artístico: se refiere al dibujo que sirve para expresar ideas, sentimientos, emociones. El artista dibuja las cosas no como son, sino como las siente. Es un tipo de dibujo que requiere de un talento innato.

 • Dibujo del natural: es el dibujo que copia los objetos directamente, mediante la observación. En este tipo de dibujo, se trabaja con el modelo en frente, no se hace de memoria, y se intenta copiar fielmente el objeto.

 • Croquis: el croquis es un tipo de dibujo rápido y eficaz, claro, preciso, sintético, captura todos los detalles importantes, pero de una manera esbozada, sin detenerse en pequeñeces que no aportan datos útiles.

 • Caricatura: es un retrato que exagera o distorsiona la fisonomía del modelo. La técnica usual consiste en distorsionar los rasgos más marcados de la persona, los que la distinguen. En general se emplea con fines humorísticos, y puede resaltar rasgos que no son llamativos en la persona, pero que se identifican con características de su personalidad.

LOS COLORES

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano receptor.

Es un fenómeno físico-químico asociado a las infinitas combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas como colores según las longitudes de ondas correspondientes (véase: tabla de longitud de onda). El ojo humano sólo percibe el color cuando la iluminación es abundante. Con poca luz vemos en blanco y negro.

 El color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

 El ojo humano distingue unos 10.000 colores.

El círculo cromático. 

El círculo cromático permite identificar las distintas familias de colores y la relación que existe entre ellas.

Colores  primarios.

 Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. Si se mezclan los tres a partes iguales, se obtiene el negro.

Los colores secundarios 

Para crear los colores secundarios se mezclan dos primarios a partes iguales.Así obtenemos el violeta (rojo y azul), el verde (azul y amarillo) y el anaranjado (rojo y amarillo).

 

Colores Terciarios 

Para crear los colores terciarios se mezclan dos primarios en cantidades desiguales. Por ejemplo, para obtener un violeta rojizo, mezcle una parte de azul con dos partes de rojo.

Colores cálidos y frios

 Se denominan colores fríos a todos los que participan o en su composición interviene el azul y cálidos, a todos aquellos que “participan” del rojo o del amarillo.

 Los colores  cálidos  (rojo, amarillo y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego… de ahí su calificación de “calientes”.

 Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, el hielo, la luz de la luna, el azul y los que con el participan.

 Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado “Temperatura del color”.

 Los colores complementarios

 Son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático.

Los colores pastel

  Los colores pastel son aquellos que contienen gran cantidad de blanco. Como son muy claros, es raro que creen contrastes discordantes con otros colores. Generan ambientes cómodos y espaciosos en cualquier habitación.

  La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados.

Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficies.

 Los colores neutros

 Los colores neutros son los distintos tonos de blanco, gris y negro.

 Términos básicos
 

 *El tinte de un color es el color básico. Por ejemplo, tanto en el azul claro como en el azul oscuro, el tinte es el azul.

  *El matiz describe la densidad y el índice de reflexión del color. El matiz es muy importante a la hora de elegir una combinación de colores.

 *El valor (luminosidad) de un color es la cantidad de blanco o negro que contiene. El valor puede ir de claro a oscuro en una escala de grises.

*La saturación de un color está relacionada con su pureza y su intensidad.

                                                   
  CARICATURA

 Una caricatura es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un estrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico. También puede tratarse de alegorías.

La técnica usual de la caricatura se basa en recoger los rasgos más marcados de una persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos para causar comicidad o para representar un defecto moral a través de la deformación de los rasgos.

Características:

La caricatura como género artístico suele ser un retrato, u otra representación humorística que exagera los rasgos físicos o faciales, la vestimenta, o bien aspectos comportamentales o los modales característicos de un individuo, con el fin de producir un  efecto grotesco. La caricatura puede ser también el medio de ridiculizar situaciones e instituciones políticas, sociales o religiosas, y los actos de grupos o clases sociales. En este caso, suele tener una intención satírica más que humorística, con el fin de alentar el cambio político o social. La forma más común de las caricaturas políticas y sociales es la viñeta. Si bien el término caricatura es extensible a las exageraciones por medio de la descripción verbal, su uso queda generalmente restringido a las representaciones gráficas.

 Existen caricaturistas de muy distintas índoles, temas y estilos, ya que la caricatura, con muy pocas palabras (en algunos casos, sin  palabra alguna) permite también hacer comentarios políticos en clave de humor verdaderos chistes visuales, y por ello casi todos los diarios del mundo suelen incluir una o más caricaturas en su sección de opinión, también suelen observarse caricaturas en ciertas revistas de comic o historietas.

 La caricatura ha sido desde el comienzo de la historia un tipo de representación exagerada de unos personajes o de unos hechos con el fin de poder trasmitir un mensaje, una idea, la mayoría de veces sarcástica sobre una cuestión  determinada.

 Es por este motivo que desde siempre, el hombre recurrió a realizar una serie de trazos bien expresivos, bien simbólicos, pero tremendamente simples con los que trasmitir ideas por medio de las imágenes y así llegar a un mayor número posible de espectadores a los que convencer de tales ideas.

Podemos hablar de diferentes clases de caricatura:

a.- Caricatura infantil:

 

  

 

 

 

b.-  La caricatura política:Es aquella cuyo tema gira en relación  a cuestiones estrictamente políticas, desde un nivel local o internacional; en la que no sólo se representan a diversos personajes contemporáneos, sino que además también se representan por medio de imágenes conceptuales, decisiones u opiniones sobre política en general.

 

  c.-  La caricatura social: Es aquel tipo de caricatura en la que se refleja a una determinada sociedad sea en plan de crítica, burla o chanza, y tiende a representar a una serie de personajes en situaciones de la vida contemporánea.

 

 

 

 d.- La caricatura político-social:  Hay momentos en el que es sumamente difícil clasificar una imagen como caricatura social o política, desde el momento en el que muchas veces representando y criticando una determinada situación social, a la vez también se está criticando lo político que crea esa situación por lo que la diferencia que en algunos casos se da entre estos dos subgéneros algunas veces es inexistente.

  e.- La caricatura costumbrista:  Sería una escena de costumbres en la que aparece una excesiva carga de crítica o sátira que la convierte en una caricatura dando así lugar a una observación irónica de la realidad. O rerpesenta un hecho cotidiano o popular.

 

  f.- La caricatura simbólica: Este tipo de caricatura representa a un objeto determinado que dentro de un contexto especial adquiere una fuerte carga política o social.

 

 

  g.-La caricatura festiva: Es aquel tipo de caricatura alegre y desenfadada que sólo busca la comicidad como fin utilizando para ello la caricatura de personajes o eventos.

 

 

 

 

 

h.- La caricatura fantástica: Es aquella que recurre a lo fantástico con el fin de poder reflejar así una situación fantástica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 i.- La caricatura personal: Es aquella que se centra en los personajes contemporáneos y en su representación caricaturesca bien sea sólo de la cara o de todo el cuerpo.

 

 

 

 

LA HISTORIETA  

Una historieta es una narración realizada mediante una sucesión de imágenes dibujadas o pintadas sobre un soporte plano y estático, normalmente papel. La integración de textos en su seno no es necesaria y hay muchas historietas mudas, es decir, sin textos. Se llama historieta o cómic (del inglés comic) a una serie de dibujos que constituye un relato, con texto o sin él, así como al libro o revista que la contiene. La definición de mayor popularidad entre los especialistas es la de Scott McCloud: «Ilustraciones yuxtapuestas y otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de transmitir información u obtener una respuesta estética del lector»Las historietas pueden estar dibujadas en papel, o estar en forma digital (e-comic, webcomics y similares).

 Muchas personas han propuesto considerar la historieta como el noveno arte.En México se le llama historieta o cómic, en Japón le dicen “Manga”, en España es conocido como “tebeo”, mientras que en Estados Unidos simplemente usan el ambiguo nombre de “cómic”. Aunque estas palabras son tan diferentes, todas significan lo mismo:es un medio de comunicación con una belleza y capacidad artística única, que ha conquistado a generaciones de artistas, lectores y seguidores.

Porque –aunque muchos no lo crean- a través de los años, la historieta ha demostrado ser algo más que un subgénero o un arte menor, con la capacidad de transmitirnos sentimientos y mensajes de una forma que otros medios no podrían. La característica más importante de la historieta es que se desarrolla en una realidad estética. Es decir, a diferencia de la fotografía y el cine, la imagen que se maneja en la historieta no proviene de la realidad, sino de un dibujo, el cual es una manera de plasmar e interpretar la realidad. Gracias a esto, las formas en que se presentan las imágenes pueden ser más versátiles y únicas entre sí. A esta particularidad del trabajo del dibujante, se le llama estilo de dibujo.

Así, el estilo puede ser muy caricaturizado (como el que se suele usar en los cartones políticos o tiras cómicas como Garfield) o uno muy realista; con muchos achurados y texturas o con líneas simples y muy definidas, que en algunos casos crean contrastes, etc. Ahora bien, a partir del estilo de dibujo, la historieta logra presentar una gran cantidad de ambientes diferentes de un dibujante a otro, de una historia a otra, de un personaje a otro.

La segunda característica que tampoco hay que dejar de lado, es que en ocasiones el cómic tiene más capacidad de cercanía al público, pues a diferencia del cine o la televisión, la historieta se produce en tiempos mucho más cortos y/o se planea como una serie, lo que permite adaptar sucesos e inquietudes de la sociedad en el contexto de la historia que se está relatando.

El tercero es que, gracias a que sólo se necesita lápiz, papel, tinta y algunos utensilios de entintado para crear historieta, en muchas ocasiones han sido plasmados temas que no podrían haber sido abordados tan fácilmente en otros medios, por sus restricciones económicas y políticas. Así, en lo que respecta a la historieta se pueden destruir flotas espaciales enteras o hundir cuantas veces se desee al Titanic sin que esto cree un gasto extra. Por eso es que el género de superhéroes sólo se ha desarrollado en la historieta, pues en otros medios sería muy caro presentar con regularidad a un ser humano que se columpia a través de una ciudad, o a una batalla de seres superdotados en la que se destruyen varios edificios.

Como podemos ver, la historieta es un medio de comunicación rico en capacidades expresivas, que de ninguna forma tiene que ser reemplazado por otros medios.

  

  

Géneros:

COLLAGE

collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un ‘Kollaje’ se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. …

Imagen formada al pegar otras varias sobre un fondo común.

Un collage es un cuadro compuesto de diferentes trozos de materiales pegados sobre la superficie, puesto que coller significa en francés pegar. Los materiales más usados suelen ser planos, como telas, cartón, papel, fotografías, recortes de periódicos, trozos de plástico, etc. aunque se pueden adherir al cuadro elementos más voluminosos, como prendas, cajas, objetos metálicos… También es frecuente que el collage se combine con otras técnicas de dibujo o pintura, como el óleo, el grabado o la acuarela.El origen de la técnica se encuentra en los papiers collés de los cubistas, que consistían en simples trozos de papel con un color plano, que se adherían a los cuadros para aumentar los efectos de color absoluto. Pero el desarrollo absoluto del collage se debe a los cubistas, siendo atribuído el primer collage de la historia a Picasso. La técnica tuvo mucho éxito entre surrealistas y dadaistas.

El collage con papel, materiales sólidos, pintura…

El “collage” se basa esencialmente en la manipulación de diversos materiales utilizados como materia prima tales como periódicos viejos, revistas, papeles de colores o embalaje, fragmentos de fotos, telas, materiales sólidos, pintura acumulada etc. 

 Reunir los elementos elegidos y disponerlos sobre un espacio plano y en un cierto orden es el objetivo perseguido. A través del manejo de estos materiales se logra como resultado la creación de una composición original e imaginativa.

El collage supone un medio de expresión cargado de libertad que se manifiesta en las múltiples formas y procedimientos empleados.

El “collage” por tanto resulta ser una nueva forma de expresión artística ilimitada que permite al artista dar rienda suelta a su inspiración y a su fantasía.

Las tres formas de “COLLAGE” más utilizadas son:

  • - Collage con PAPEL y CARTULINA
  • - Collage con MATERIALES SÓLIDO
  • - Collage con RELIEVES de PINTURA

Los collages hechos con papeles utilizan como materiales distintas formas imagPapeles mojados por la lluvia, papeles arrugados, papeles en blanco y negro o color, papeles pintados o decorados con lápices, carboncillos, con colores al agua (gouache o acrílico), periódicos, carteles, folletos, programas, boletines (la tipografía impresa se puede convertir en parte primordial de la obra). Los papeles son pegados con cola blanca sobre un soporte (un cartón rígido de cierto grosor).Collage con materiales sólidosEn Francia, los collages realizados con ayuda de materiales sólidos reciben el nombre de “ensamblajes”.Los materiales básicos utilizados son elementos corpóreos tales como:Unir, combinar, fijar materiales sobre un soporte rígido y resistente que aguante un peso importante es la misión del trabajo realizado.La

  • Fragmentos de madera:Tiras, listones, molduras de marcos, madera rota quemada o pintada agrupadas de distintas formas.
  • Tejidos: Telas, hilos, cordeles, cuerdas, sacos usados…etcd.
  • Metales: Bidones, chapas de metal, clavos, tornillos… etc.
  • Otros objetos: Fragmentos de cosas fuera de uso, chucherías de desecho, cabezas de muñecas,  juguetes viejos, soldaditos de plomo, cucharas, tenedores, latas de conserva…apariencia resultante del mosaico realizado con materiales sólidos puede ser modificado con un acabado con pintura o mediante la aplicación de fuego que altere la textura y el color de las partes hechas con madera.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

xx

Deja un comentario

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s


Seguir

Recibe cada nueva publicación en tu buzón de correo electrónico.

A %d blogueros les gusta esto: